MI CINÉFILO BLOG

CATACRASH

2011-02-10T10:50:00.000-08:00

Planfleto "oenegero", firmado por Wayne Kramer, director de The cooler y La prueba del crimen, y que poco tiene que ver con el adrenalínico tono de estas 2 películas.

Emulando a la oscarizada Crash (Paul Haggis, 2004), este film se nos plantea como un gran cuadro coral de subtramas entrecruzadas en el que la temática migratoria constituye el eje dramático de todo el meollo, y trata de adoptar una posición comprometida sin por ello abandonar un evidente y molesto patriotismo.

Sin embargo, a diferencia de la película de Haggis, Territorio prohibido cae en todos y cada uno de los errores en los que no debe caer una producción de sus características: el tópico, el maniqueismo, la previsibilidad, la propaganda, el sobrentendido y un acartonamiento dramático propio de un telefilme de sobremesa dominical.

Lo mejor: Las tetas de la actriz Alice Eve y la comicidad no pretendida de algunas de sus escenas supuestamente dramáticas.

Lo peor: Difícil elección.

Cuando el mal gusto provoca vergüenza ajena.

2011-01-21T05:50:00.000-08:00

Lo peor de Carne de neón no es que su falta de originalidad la asemeje a una versión ibérica y casposa de una película de Guy Ritchie, pues con lo ibérico y lo casposo, tal y como nos han demostrado Berlanga, de la Iglesia o Santiago Segura, se pueden alcanzar cotas de creatividad de lo más elevadas, mientras que el trasunto y la revisión han estado siempre a la orden del día en cualquier campo artístico.

Lo peor de este espanto que sorprendentemente obtuvo relativa buena acogida en el festival de Sitges, es el mal gusto del que hace gala de principio a fin. A través de un humor grueso, soez y absolutamente inadecuado, Cabezas frivoliza sobre asuntos tan serios y dramáticos como la explotación sexual, el tráfico ilegal de personas, el alzeheimer o el maltrato a la mujer, cuestiones sobre las que no se puede bromear ni aun queriendo ir de políticamente incorrecto.

Podrán acusar a los que rechacen este filme de no apoyar al cine español pero, no nos engañemos, con pestiños como éste no vamos a ninguna parte... hasta las películas de Mariano Ozores desprendían mayor delicadeza que este engendro que quiere pasar por gracioso y se queda sólo en sonrojante.

6 certezas sobre The tourist.

2011-01-18T12:32:00.001-08:00

1- Angelina Jolie está en el chasis. Le faltan unos cuantos bocadillos de jabugo y debería visitar a un nutricionista urgentemente.
2- Entre la susodicha y J. Depp no hay ningún tipo de química.
3- Ninguno de los 2 personajes intrepretados por los dos actores antes mentados desprende el más mínimo carisma.
4- El secreto de Anthony Zimmer (Jérôme Salle, 2005) es mucho más regular y efectiva que este remake americano. Lastimosamente, al tratarse de una película francesa y no de una superproducción hollywoodiense, su difusión fue mucho menor.
5- The tourist intenta emular en vano la sofisticación de Charada (Stanley Donen, 1963) y Con la muerte en los talones (Alfred Hitchcock, 1959). Es mucho mejor revisar en casa cualquiera de estos dos clásicos que gastarse 8 euros en ver una tentativa frustrada.
6- Para hacer esto, Florian Henckel-Donnersmarck, el director de la aclamada La vida de los otros, podría haber continuado su prometedora carrera en su Alemania natal.

La daga de Rasputín.

2011-01-13T10:19:00.000-08:00

Cuando pienso que semejante bodrio ha costado la friolera de 5 millones de euros, se me parte el alma. No es que en nuestro solar patrio andemos sobrados de talento y transparencia, pero quiero creer que, en una época de restricciones como la que nos está tocando vivir, semejante morterada bien podría haber sido invertida en una causa más noble (no diré más rentable, pues los datos de taquilla muchas veces son injustos e impredecibles), como por ejemplo promocionar la obra de nuevos valores o darle un empujoncito a la formación cinematográfica.

Entrar en disquisiciones acerca de las "cualidades" del segundo filme de Bonilla como director es meterse en terreno baldío, caer en la reiteración y en cuestiones más que consabidas: La daga de Rasputín es una comedia gruesa y anticuada, con un reparto que desprende caspa y olor a fritanga, y un humor que no va más allá del "caca, culo, pedo, pis". Triste, muy triste.

Un chino en Houston.

2010-12-24T09:28:00.000-08:00

Narradora de las chanzas y sinsabores del bailarín chino Li Cunxin, esta producción australiana se muestra mucho más preocupada en exponer su nada velada vertiente política (eminentemente crítica con el régimen maoísta), que en desarrollar su también evidente faceta de drama biográfico.

Anteriormente, películas como ¡Vivir! (1994), de Zhang Yimou, Balzac y la joven costurera china (2002), de Dai Sijie, o Memorias de China (2004), de Jiang Xiao, ya se atrevieron, desde los márgenes del melodrama costumbrista, a cuestionar el despotismo, la manipulación y la opresión que se vivía en China bajo el yugo comunista. Pero, a diferencia de la película del veterano Bruce Beresford (director de la aclamada Paseando a Miss Daisy), ninguna de ellas cayó en el error de hacer una comparativa entre oriente y occidente.

Y es que El último bailarín de Mao nos presenta, de manera algo capciosa, unos EE.UU que, bajo el mandato de Ronald Reagan, alcanzan el falsario estatus de paraíso terrenal y de centro mundial de la libertad y la abundancia. Un discurso que, a todas luces, resta emotividad (y credibilidad) al relato, que podría haber funcionado bastante bien si esta deriva “capitalista” hubiera sido más moderada.

MI TOP 2010

2010-12-24T06:28:00.000-08:00

La cinta Blanca (M. Haneke)
En tierra hostil (K. Bigelow)
Exit Through the gift shop (Bansky)
Two Lovers (James Gray)
Invictus (Clint Eastwood)
Anvil (Sacha Gervasi)
Copia Certificada (A. Kiarostami)
Carancho (E. Trapero)
Toy Story 3 (Lee Unkrich)
The girlfriend experience (Steven Soderbergh)
Kick ass (M. Vaughn)
Scott Pilgrim contra el mundo (Edgar Wright)
Origen (C. Nolan)
Shutter Island (M. Scorsese)
Machete (Robert Rodríguez)
When You're Strange (Tom DiCillo)

Retorno al pasado.

2010-12-17T02:36:00.000-08:00

La representación de una versión actualizada de La Venganza de Don Mendo, en un conflictivo pueblo del interior de Andalucía, es la excusa argumental para el desarrollo de esta comedia coral y de enredos. Una comedieta habitada por guardias civiles, putas, folklóricos y demás personajes ibéricos, que recurre a un costumbrismo grueso de lo más manido, a un reparto cansino hasta el hartazgo (P. Ej., María Barranco y Antonio Resines haciendo los roles que han hecho siempre) y a un tono cómico demasiado anclado en las viejas (y, por suerte, ya superadas) “glorias” vividas por nuestro cine patrio durante la década de los 80.

Don Mendo Rock, bajo una apelación a la multiculturalidad cogida por los pelos, nos retrotraerá a películas tan pretéritas como Sé infiel y no mires con quién y Bajarse al Moro (ambas de Fernando Colomo), La corte de Faraón (del propio García Sánchez) o La noche más hermosa (de Manuel Gutiérrez Aragón), pero nunca nos sugerirá nada fresco, sorprendente ni mínimamente gracioso. El hecho de que José Frade, el productor que ha sido considerado el padre del denominado "landismo", esté detrás de este despropósito, es más que revelador.

El mejor filme español del año.

2010-12-17T02:28:00.000-08:00

Los premios y los elogios públicos (Balada triste de trompeta ha sido galardonada con el mejor director y el mejor guión en Venecia) pueden constituir una arma de doble filo para el objeto halagado, pues aunque representan un aliciente inmejorable para que el público acuda ilusionado a las salas, también pueden generar en él expectativas erróneas o, directamente, falsas.

Algo semejante es, en mi opinión, lo que al nuevo filme de de la Iglesia le puede suceder, ya que si bien se trata de un relato historicista, que alegoriza con cierta fortuna algunos de los elementos que caracterizaron a la España franquista, no debemos olvidar que es también una obra personalísima, firmemente enraizada en el imaginario de su director, quien se salta cualquier atisbo de veracidad y apuesta por la extravagancia negra y mordaz.

Si se aceptan sus propios códigos internos, su vertiente declaradamente grotesca y su mezcla de autorreferencias (parece una revisión perversa de Muertos de risa) y de influencias dispares (surrealismo buñueliano, esperpento berlanguiano, gore, cómic, desmesura violenta entre Miike y Tarantino, caspa patria), Balada triste de Trompeta sorprende y satisface. Aunque el listón no estaba demasiado alto, es de lejos la mejor película española del año.

Padre e hijo.

2010-11-24T12:33:00.000-08:00

Mirada íntima, pausada y antropológica a las interioridades de una familia judía compuesta por un rabino, su esposa y su hijo pequeño, y que se centra, esencialmente, en la relación que mantiene el mentado rabino con su vástago, una relación paterno-filial marcada por el autoritarismo y la desatención de aquel a causa de su excesivo fervor religioso.

En su ópera prima, el israelí David Volach documenta fidedignamente algunos de los ritos y tradiciones hebraicas, y se muestra delicado en su tratamiento; parsimonioso y contemplativo, en su exposición; y, en sus trágicas conclusiones, crítico hacia el fanatismo judaico.

Nos hallamos, pues, ante una apuesta arriesgada e interesante, pero no apta para espectadores convencionales: a la tibieza de su denuncia, My Father, My Lord suma también un exasperante ritmo, tan retardado y poco ágil que puede llevar al tedio más absoluto hasta al más paciente y predispuesto.

¿In...sufrible?

2010-11-12T07:12:00.000-08:00

Supuestamente basada en hechos reales, Imparable, el nuevo trabajo del pequeño de los Scott, da cuenta de un caso de colisión ferroviaria que fue salvado in extremis por dos esforzados maquinistas en algún lugar de los EE.UU.

Mucho más cercana al género de las disaster movies que al thriller al uso (categoría en la que erróneamente se la ha querido encuadrar), la película nos ofrece una historia propicia para la realización inquieta y adrenalítica propia de su director: multicámara, fragmentados montajes en paralelo y ritmo vertiginoso a golpe de abundantes y repentinos cortes.

En el apartado actoral, el carismático y rentable D. Washington, que repite en su papel de héroe de a pie, se confirma como actor de cabecera de Tony Scott (tras El fuego de la venganza, Déjà vu y Asalto al tren de Pelham) y nos ofrece una interpretación correcta y sin errores de bulto, al igual que su compañero de reparto Chris Pine (Star Trek, Infectados).

Y es que realmente, no hay nada de lo que acontece en la pantalla que esté clamorosamente mal, que resulte insidioso o que caiga en el gazapo. No es posible concretar ningún aspecto reprensible en la realización, en el guión o en las interpretaciones... pero todo el conjunto es tan rutinario y convencional, tan reiterativo y poco sorprendente, tan poco interesante, tan cansino y trillado, que a uno le resulta casi imposible no descolgarse de la historia cual vagón desenganchado de un tren en marcha.

¿Dónde están las armas de destrucción masiva?

2010-11-06T08:39:00.000-07:00

En su arranque, al exponernos las dificultades que tiene una pareja madura en conciliar su vida marital y familiar con su trabajo de informadores secretos, Caza a la espía podría pasar por una versión dramática de Mentiras arriesgadas o de Señor y Señora Smith, película esta última dirigida también por el propio Liman.

Sin embargo, esta adaptación de las memorias de Joseph Wilson y Valerie Plame -dos agentes de inteligencia que fueron relegados al ostracismo por la administración Bush a causa del incómodo testimonio que representaban- es mucho más cercana al thriller político de los 70 que a cualquier fabulación aventurera.

Liman, consciente de la seriedad del berenjenal en el que se mete, procura de manera demasiado consciente no perder los papeles con derivas argumentales que pudieran parecer accesorias. Pero este exceso de celo y solemnidad resulta totalmente contraproducente al vaciar a la película de un interés argumental que vaya más allá de la evidencia, de lo que el espectador ya sabe o de lo que ya intuye desde el principio.

Resulta curioso ver como el creador de la exitosa saga Bourne, una trilogía que conjuga perfectamente acción con “trascendencia”, aquí se muestra incapaz de aplicar esta fórmula, renunciando, quizá por bloqueo, a cualquier conato de entretenimiento.

Lo peor es que en su faceta dramática y de denuncia, que parece ser la única que le interesa desarrollar al director, Caza a la espía tampoco funciona. Primero, porque su realización fragmentada, válida para narrar las pesquisas de Jason Bourne, no casa demasiado con el tono del film (los torpes insertos de imágenes reales de Bush JR. tampoco despejan esta sensación). Segundo, porque los siempre notables Penn y Watts nos ofrecen unas sus interpretaciones más desganadas y rutinarias de sus respectivas carreras.

Sin duda, era necesario afrontar por fin, desde la ficción cinematográfica, el espinoso tema de la invasión de Irak, así como denunciar la manipulación informativa de la que la administración Bush se valió para justificar su guerra contra el eje del mal, pero cuestión tan importante merecía un tratamiento más eficaz y productivo, un tratamiento como el que Paul Greengrass, precisamente otro de los responsables de la saga Bourne, aplicó este mismo año en Green Zone.

Quien tiene un amigo, tiene un tesoro.

2010-10-28T14:01:00.000-07:00

El especialista en comedias Todd Phillips vuelve a probar fortuna en dicho género aprovechando que el buen sabor de boca que dejó su anterior película, Resacón en las Vegas, permanece todavía fresco en la memoria. Y lo hace sin devanarse demasiado los sesos, recurriendo a una mezcla de los tópicos, simples pero efectivos, pertenecientes a las road movies y de la buddy movies (pelis de coleguillas), y repitiendo también en el reparto con el actor greco-estadounidense Zach Galifianakis, el mejor, con diferencia, de aquel y de éste film.

Así pues, no es difícil imaginar que Salidos de cuentas es, ante todo, un carrusel de los enredos, torpezas y despropósitos sufridos en ruta por R. Downey Jr por culpa del extravagante carácter del citado Galifianakis. Y que, a causa de la gracia de éste último, la comicidad del film mantiene su tono pese a su falta de originalidad y su tendencia final a la exageración.

Las apariciones estelares (Juliette Lewis, Jamie Foxx y el rapero RZA) y la BSO (Wolfmother, Rod Stewart, Cream, Neil Young) sirven con eficacia para apuntalar un interés que va en descenso. Film que va a menos pero que evita, in extremis, la colisión.

Sobre Stone y las medias.

2010-10-26T11:36:00.000-07:00

Nunca he dudado de que las notas medias que aparecen en las bases de datos cinematográficas (FA y IMDB) pueden marcar la tendencia al voto de buena parte de los participantes. Así, si una película está valorada mayoritariamente mal, lo normal es que los votos venideros, ante la duda, tiendan a una valoración negativa, y viceversa.

Stone, el nuevo film de John Curran, no sólo me confirma este "fenómeno", sino que se me antoja un ejemplo exacerbado del mismo: mientras que aquí, en FA, el film tiene (a fecha del 26 de Octubre de 2010) un 3’8 de media, en IMDB, con 4 veces más votos registrados, la película se planta con una puntuación de 7.

¿Son los votantes de FA muy listos? ¿Los de IMDB muy tontos? Nada de eso, se trata de tendencia, de pura tendencia: ante la duda, el indeciso tiende a mimetizar el voto de la mayoría, lo que puede provocar desarreglos como el de Stone.

¿Y porqué le llamo desarreglo? Pues porque Stone es un film más que respetable. Es cierto que su trailer promete cosas que luego la película no desarrolla, pues en realidad Stone sólo flirtea con los códigos del cine negro (femme fatal Jovovic), del thriller (erótico, judicial, policial) y del drama carcelario, sin explotarlos satisfactoriamente para el espectador medio. Pero, ¿es en realidad Stone alguna de esas 3 cosas? Yo creo que no.

No perdamos de vista un aspecto esencial: los trailers son propaganda mercadotécnica que casi nunca se corresponden con la realidad. Así, si olvidamos cualquier influencia previa de su teaser, Stone puede ser calificada de drama humano, íntimo y existencial que sólo se vale de las convenciones genéricas para, mediante el lucimiento de sus actores (notables los tres), exponernos cuestiones referentes a la Fe, a la autoridad, al deseo y a la libertad. La realización, cargada de simbólicas imágenes (la de la abeja y la ventana, por ejemplo), ayudará a esta exposición reposada y trascendente. Stone es, en definitiva, una película para espectadores pacientes, desprejuiciados… y no influenciables.

El mercado del arte moderno.

2010-10-17T05:02:00.000-07:00

Lo que a priori se presenta como una crónica bien documentada sobre el auge del street art, a la par que indisimulada loa al ya henchido ego del artista anónimo conocido como Banksy, tiene la envidiable virtud de reformularse con rapidez.

Tras sesenta entretenidos minutos de gracioso retrato callejero, compuesto enteramente por imágenes captadas con video casero, Exit Through the Gift Shop adopta un tono más serio sin perder su inicial ironía, y se convierte en una reflexión – en la que Banksy es sólo gancho y catalizador- que cuestiona el verdadero valor del arte contemporáneo.

Una reflexión que recela de los advenedizos de dicho arte y que se ríe de la actual modernidad artística, situando al film, en lo que a discurso se refiere, al mismo nivel que Fraude (Orson Welles, 1973). Una brillante lección, de proyección obligada en todas las facultades de Bellas Artes.

Yo soy la Diana... o Diana al desnudo (y nunca mejor dicho).

2010-10-06T09:45:00.000-07:00

Aunque los nombres de sus protagonistas son diferentes, DiDi Hollywood plantea su argumento como si se tratara de una continuación natural de Yo soy la Juani, la anterior producción del director catalán Bigas Luna.

Pero mientras que aquel film, con todas sus taras y defectos, constituía un reflejo inédito (y bastante acertado) de la cultura y las aspiraciones de los jóvenes “poligoneros”, esta secuela no declarada se queda en el cliché manido y en la superficialidad más improductiva a la hora de retratar el ascenso de una españolita en la Meca del Cine.

Bigas Luna, que conoce el mercadeo cinematográfico igual de bien que Almodóvar, ha recurrido a la cotizada cara de la Pataky (además de a otros de sus muchos atributos femeninos) para asegurarse el éxito comercial. Sin entrar a valorar las limitadas cualidades artísticas de la actriz protagonista, esta estrategia será seguramante válida en la taquilla, pero ni deslumbrará ni despistará lo suficiente al espectador mínimamente exigente dentro de la sala, en el momento de percibir las muchas carencias de esta versión cutre de Eva al desnudo.

La pulcra y luminosa realización que luce la película no será tampoco un motivo de peso capaz de ocultar la poca profundidad dramática de todas las situaciones planteadas, la intermitencia de la mayoría de los personajes y la escasa emotividad de un insatisfactorio clímax. Fiasco.

Clooney, a quemarropa.

2010-09-17T10:14:00.000-07:00

El protagonista de El Americano, el nuevo film del director de Control (el biopic sobre el cantante de Joy Division), está a medio camino entre el ascetismo profesional de Le Samourai (Jean-Pierre Melville), A quemarropa (John Boorman) o la reciente Los límites del control (Jim Jarmusch), y el afligido y solitario desespero de Jason Bourne.

Se vale la película de un tono demasiado encriptado y trascendente para lo evidente de su mensaje: el silencioso tormento que padece un hombre cuyo "oficio" le obliga a no encariñarse demasiado con la gente que conoce.

Además, la "estrella", la popularidad, de Clooney brilla en exceso y obra en contra de la austeridad que requiere el personaje en cuestión... Un personaje que, seguramente, hubiera ganado bastantes enteros si hubiera sido interpretado por un actor desconocido o semiprofesional.

Con todo, El americano es un film interesante que, pese a los buenos resultados iniciales que obtuvo en el box-office, se encuentra más cerca del cine de autor europeo que de la fórmula del blockbuster.

The boys are back in town

2010-08-17T04:49:00.000-07:00

Los mercenarios es un producto cinematográfico que no engaña a nadie y que ofrece lo que se prometió desde el primer día en que se gestó el proyecto: acción de los 80 con los medios técnicos del 2010. Aparentemente, esto es algo que El equipo A, desde una perspectiva semblante, también promete y consigue sin demasiado esfuerzo, de manera razonablemente satisfactoria. ¿En que se diferencian, pues, The expendables de las nuevas andaduras de Hannibal Smith y sus hombres?

Fácil: en su inteligente y eficaz explotación de la mitomanía más macarra (el elenco de la película de Stallone es difícilmente superable) y, sobre todo, en su voluntad autorreferencial, una voluntad consciente y muy marcada que minimiza la importancia del argumento haciéndolo básico, casi ridículo.

Esta voluntad autorreferencial va desde el guiño directo a la realidad (me refiero a la escena que protagonizan Willis, Arnold y Stallone), hasta la acción hiperbólica (explosiones y desmembramientos son más propios del gore y el anime que de un film al uso), pasando por la parodia no declarada (inconsciente, diría yo) y una evidente nostalgia. Una cualidad autorreferencial que distingue y ensalza a la nueva película de Stallone con respecto a otros films similares, pero que sin embargo se queda corta, dejando la sensación final de que la veta se podría haber explotado mucho más, emplazándonos a una segunda parte para ver lo que da de sí. Mientras tanto, abróchense los cinturones y diviértanse. La ocasión lo merece.

Lo mejor: El personaje interpretado por Mickey Rourke y la BSO (Thinn Lizzy, John Fogerty)
Lo peor: Que la broma se podría haber estirado muuuucho más.

Consideraciones sobre Christopher Nolan.

2010-08-07T06:23:00.000-07:00

De entre todas las cualidades narrativas que C. Nolan posee, quizá la más destacable y personal sea su capacidad de solemnizar el relato. Su poder de convicción a la hora de insuflar importancia y carga trágica a cuanto nos narra es lo que hace que sus películas, a ojos de un espectador impresionable, trasciendan los referentes y/o temáticas a las que esas mismas películas nos remiten. Es por ello que gran parte del público considere superiores sus incursiones en la franquicia Batman que las que realizara en su día Tim Burton, o menosprecie injustamente un film tan notable como El ilusionista en favor de otro de similar calado como es El truco final.

Algo parecido es lo que sucede con Origen. Se trata de un film que retoma punto por punto el ítem de la virtualidad y de la posibilidad de moldear los sueños y solaparlos confusamente con lo real. Un asunto que, aunque tratado ampliamente en anteriores cintas de sci-fi (como Matrix, Abre los ojos, Días extraños o Desafío total), con la excelente arquitectura narrativa de Nolan adquiere para la mayoría una seriedad tan profunda, una pompa tan irresistiblemente seductora, que hace que se olvide casi por completo que dicha temática de novedosa no tiene casi nada.

BABEL 2

2010-08-07T06:19:00.000-07:00

Tragedia contemporánea cuya narrativa nos es planteada a modo de historias entrecruzadas. El sueco Lukas Moodysson aborda la globalización y sus penurias (inmigración, explotación, desigual reparto de la riqueza) a través de las historias que les acontecen a tres personajes íntimamente interconectados: un creativo de videojuegos que viaja a Tailandia para firmar un importante contrato, una niñera filipina que emigra a NY para poder brindar a sus hijos un futuro mejor, y una doctora residente en el Soho que es incapaz de conciliar su trabajo con su vida familiar.

Apreciable por su planteamiento crítico y por los valores humanitarios que transmite, Mamut se sostiene gracias a las sobrias interpretaciones de todo su reparto. Su alcance no va mucho más allá: el hecho de que, 3 años atrás, González Iñarritu y Guillermo Arriaga trataran en Babel la misma temática de un modo idéntico (pero con resultados mucho más satisfactorios), pesa muchísimo sobre la nueva película de Moodysson, a la vez que manifiesta su carencia absoluta de originalidad.

Kick ass

2010-05-27T07:48:00.000-07:00

Fiel adaptación del comic-book homónimo obra de Mark Millar y John Romita JR, Kick ass se presenta como una de las opciones más divertidas de la presente temporada y, desde su país de origen, viene avalada por un éxito considerable de crítica y público (Matthew Vaughn ya prepara una secuela para el 2012).

Inicialmente, esta desacomplejada parodia del género superheroico, tiene como referentes cinematográficos a Condorman (Charles Jarrott, 1981) y a la mítica serie El gran héroe americano, aunque pronto su comicidad sabe explotar la veta “teen” abierta años atrás por películas como Supersalidos (Greg Mottola, 2007).

La nueva propuesta del director de Stardust no desfallece en ningún instante gracias a que su apuesta se diversifica con criterio y amplitud, sin caer en el error de agotar pronto el monotema paródico. Y es que Kick ass cumple con creces en todos sus frentes: entretiene, mueve a la carcajada en muchos momentos, sabe provocar con su violencia bizarra, deslumbra por la resolución de sus escenas de acción, emociona y transmite ilusión, electriza con su ritmo endiablado y su selección musical (Joan Jett, New York Dolls), y gratifica al espectador con un buen puñado de guiños frikis, ineludibles referencias al mundo de Cine y el comic.

The road en plan macarra.

2010-04-10T01:48:00.000-07:00

Tras un solemne discurso sobre la Fe y la importancia de la palabra de Dios, El libro de Eli se toma menos en serio a sí misma de lo que aparenta. Lo que verdaderamente importa de la nueva película de los hermanos Hughes son sus gratos referentes y sus guiños cinéfilos, que evocan inevitablemente al spaghetti western y la acción postapocalíptica a lo Mad Max. Si Leone o Sergio Corbucci hubieran dirigido The road, el resultado se hubiera asemejado a El libro de Eli. Mientras tanto, parece que estos gemelos le han cogido el gusto al tema postapocalíptico, y ya preparan un remake de Akira, la emblemática película de animación obra del japonés Katsuhiro Ôtomo.

El gran Cassady

2010-03-05T10:28:00.000-08:00

Simpática comedia, afín a las películas más ligeras de los Coen (El gran salto, El gran Lebowski, O brother!), que pone en la picota el militarismo intervencionista estadounidense, sin por ello dejar de burlarse amablemente de las excentricidades y el misticismo del movimiento hippie. Plagada de personajes estrambóticos y de argumento conscientemente absurdo, Los hombres que miraban fijamente a las cabras es la ópera prima del guionista de Buenas noches, y buena suerte, y encuentra su mejor aliado en la vis cómica de sus actores, un reparto de primerísima línea rebosante de encanto. Aunque tiene momentos verdaderamente hilarantes, en su último tercio la película da síntomas de agotamiento a causa de un argumento excesivamente endeble y ridículo. Grata BSO compuesta, entre otros éxitos, por temas de Supergrass, Boston y Billy Idol.

Viaje al centro de la mente

2010-02-18T07:54:00.000-08:00

A estas alturas de la función, negar la maestría de Martin Scorsese es una absoluta ridiculez. Sin embargo, lo que sí que es innegable es el hecho de que, de un tiempo a esta parte, su obra ha perdido personalidad con respecto a títulos emblemáticos como Taxi Driver, Toro Salvaje o Uno de los nuestros (concretamente, y siempre bajo mi punto de vista, su atonía empezó justo después de Casino), una modulación complaciente en pos de un ansiado Oscar que por fin se consiguió con Infiltrados en 2006.

Obtenido el preciado galardón, yo albergaba la leve esperanza de que Scorsese regresara por sus fueros temáticos (redención cristiana, mafia, degradación moral…) de la forma más auténtica posible, pero parece ser que el director de Malas calles está ya demasiado integrado en el mainstream hollywoodiense como para volver a sus orígenes, y Shutter Island es la confirmación de ello. Y es que, aunque considero que la cuarta película que L. DiCaprio rueda con Scorsese es la mejor de su unión, no deja de ser un film de vocación comercial, ceñido a los patrones del género (en este caso el cine de intriga policial más clásico) y de desarrollo previsible desde los primeros minutos, algo a lo que sin duda contribuye el previo visionado del trailer y la lectura de la sinopsis (Indiscutiblemente, las posibilidades de disfrutar aumentan exponencialmente si no se sabe nada, absolutamente nada del film) .

Asumido todo esto, hemos de apuntar que, como intriga clásica, la película aguanta muy bien, generando un interés sostenido en el espectador y guiándolo de forma seductora a través de la trama; y que, tanto en la recreación noir como en los episodios pesadillescos (casi lynchianos), Scorsese está acertadísimo, salvando incluso un desarrollo totalmente tramposo gracias a un twist final inesperado.

Basada en una novela del escritor de Mistic River y Adiós, pequeña, adiós (ambos libros adaptados también con éxito a la gran pantalla, pero de tono más realista), Shutter Island es en definitiva una película que entretiene pero no sorprende, que reconforta pero no estimula, una producción notable desde los parámetros comerciales pero que aleja a su director, quizá ya de manera definitiva, de cualquier postulado autoral.

El regreso del hombre lobo.

2010-02-12T08:40:00.000-08:00

Casi 30 años después de Un hombre lobo americano en Londres, la exitosa película de John Landis, Universal retoma a una de sus criaturas más populares con 2 objetivos principales a cumplir: primero, rendir homenaje a los films de la factoría protagonizados por el famoso y peludo personaje, y segundo, rehabilitarlo comercialmente.

El primer propósito se cumple con nota. El hombre lobo reproduce convincentemente el clima oscuro y neblinoso de las películas de los años 40, así como la estética gótica de las producciones de la Hammer; la caracterización del licántropo es afín a la imagen que el cinéfilo más purista tiene en mente; y la transformación de hombre a lobo es espectacular, además de tributo fiel a la que en su día plasmó Landis en su película. Todos estos referentes, ni que decir tiene, están readaptados a las posibilidades técnicas actuales, haciendo un correcto uso de la digitalización (en los paisajes, principalmente) así como de los avances en maquillaje, y también añadiendo algún destello gore digno de mención.

En lo comercial, será la taquilla la que, después del estreno, dicte su inapelable sentencia... aunque no resulta difícil adivinar que, con referentes tan lejanos y desvinculados del público habitual que visita las multisalas, los resultados no serán demasiado positivos. Esta nueva versión del hombre lobo se vale de la modernidad tecnológica para revisar una historia clásica según los gustos del espectador más nostálgico, pero no los del público general. Por si acaso, el final es lo suficientemente abierto como para justificar una secuela, aunque mucho me temo (y ojalá me equivoque) que ésta no será necesaria.

Por una educación (para las mujeres).

2010-02-03T06:33:00.000-08:00

Un alegato feminista, en pro de la educación de las mujeres, sito en el Londres de los 60. Aunque la dirige Lone Scherfig (Italiano para principiantes), realizadora danesa forjada en el movimiento Dogma de L. Von Trier, es una película de desenlace amable y cánones bastantes hollywoodienses (romance, "happy end" aleccionador y algún momento “pop”). Tiene, además, en su admiración declarada a las "películas francesas" y en su pedagógica moraleja, algo que la acerca a "Los cuentos morales", el ciclo de películas obra del recientemente fallecido Eric Rohmer. Recomendable, interesante e ideológicamente muy sólida.

Cualquier tiempo pasado fue mejor...

2010-02-03T06:28:00.000-08:00

Tras el descalabro de Canciones de amor en Lolita’s club, el veterano Vicente Aranda vuelve a intentarlo con el género que tradicionalmente le ha sido más propicio: la crónica negra castiza.

Luna Caliente está contextualizada en Burgos, durante el famoso proceso que tuvo lugar en los 70 en dicha localidad castellana. El personaje interpretado por el catalán Eduard Fernández -un poeta, dignatario de la UNESCO, que se encuentra en España de Vacaciones- se ve envuelto en una espiral de pasión enfermiza y crímenes que le hará perder toda ética e integridad personal.

Crítica explícita al pragmatismo y al escaso compromiso antifranquista de algunos intelectuales de la época, Luna Caliente es un film de desarrollo tramposo, que además está torpemente puntuado por constantes (y pretenciosos) aforismos. La historia pierde cualquier atisbo de seriedad a causa de un erotismo de traca y barracón (algunas escenas son verdaderamente sonrojantes por su naturaleza forzada e innecesaria), y de unos diálogos ridículos, sin profundidad alguna.

Si se acortara su metraje, Luna caliente bien podría haber formado parte en la década de los 80 de la exitosa serie La huella del crimen, aunque hoy es la confirmación incuestionable de que Aranda, a sus 83 años de edad, es un director totalmente fuera de honda. Si España tuviera unos premios homólogos a los Razzie, nos hallaríamos ante una sólida candidata a llevarse una ristra de premios.

Lo mejor: Sin duda, la voluptuosidad de la debutante Thaïs Blume.
Lo peor: Todo lo demás.

Nine (y medio)

2010-01-21T09:59:00.000-08:00

Nine es la adaptación cinematográfica de un musical homónimo, representado con gran éxito en Broadway desde 1982, que a su vez se basó en 8½, la famosa película de Federico Fellini.

El principal inconveniente de lo nuevo de Rob Marshall, quien varios años después del éxito de Chicago repite en el “género cantarín”, es que la fuente original se trata de un film totalmente autoral, autorreferencial, autobiográfico y libre de cualquier atadura comercial.

8½ es una obra que adquiere verdadero sentido si se conoce la filmografía anterior de Fellini, y en la que el maestro italiano purgó públicamente sus agravios, miedos y frustraciones artísticas. Sabido esto, queda patente el nulo sentido de versionar un filme que únicamente cobraría pleno significado como proyecto íntimo y personal, en el ámbito de una trayectoria individual concreta e intransferible, tal y como sucedió con F. Fellini.

La adaptación de Rob Marshall, carente de esta desesperada justificación artística que empujó al director de La dolce vita y Amarcord a dirigir el film, queda vacía de la intención primogénita, frivolizándola y reduciéndola a la mera sucesión de números musicales que narran, sin pasión alguna, la crisis creativa de un director italiano interpretado por Daniel Day-Lewis.

Partiendo de este sinsentido, entrar en si el film por lo menos nos regala buenos momentos musicales es totalmente secundario. Aunque, para desconsuelo de los más conformistas, ni en eso acierta Marshall pues, salvo “Be italian” y “Cinema italiano”, las escenas cantadas y bailadas no pasan de la medianía por culpa de unas letras simplonas y un ritmo fragmentado que en nada facilita la fluidez de las coreografías

Lo mejor: La fotografía, sobre todo en los pasajes en B/N.
Lo peor: La falta de ideas de la industria hollywoodiense, que nos conduce a aberraciones temáticas como ésta. ¿Qué será lo próximo?¿Versionar Los sueños de Akira Kurosawa? ¿O quizás Takeshis y Glory to the filmmaker de Kitano?

I want to be a family guy...

2010-01-16T07:31:00.000-08:00

Up in the air, la nueva película del vanagloriado J. Reitman (hijo del director de Cazafantasmas), adolece del mismo gran defecto que su anterior film, la celebrada Juno: tras un envoltorio indie, "moderno" y muy atractivo para los cinéfilos de nuevo cuño, se escode un discurso social de lo más retrógrado y conservador.

Si en Juno, Reitman se valía de los modos indies (música guay, actores desconocidos, temáticas aparentemente transgresoras) para defender a toda costa la maternidad y cuestionar las prácticas abortistas, aquí aplica la misma técnica de despiste en pro de la institución marital y el candor del hogar tradicional.

Toda la mala leche que Up in the air puede tener en su primera mitad, durante la cual se contemplan con mordacidad las prácticas ejecutivas de las empresas con respecto a la gestión de su personal, se escurre de las manos durante el resto del film: un canto carca a la vida familiar de toda la vida. Que le pregunten a John Cassavetes si esto es Cine "indie".

Sherlock Holmes y el Dr. Watson contra Lord Blackwood

2010-01-12T10:56:00.000-08:00

Si el novelista Conan Doyle levantara la cabeza, y viera a su amado personaje, ahora interpretado por Robert Downey Jr, practicar artes marciales y deportes de contacto con total maestría mientras se deja engatusar por los irresistibles encantos de una sofisticada fémina, seguramente se querellaría ipso facto con Lionel Wigram, autor del cómic en que está basada esta película, y de paso también con el “ex” de Madonna, Guy Ritchie, responsable directo de esta adaptación cinematográfica.

Este sentimiento de rechazo airado será también el que, muy probablemente, compartan gran parte de los seguidores más fieles de las aventuras literarias del sabueso de Baker Street, de las que el director de Snatch y RocknRolla, fiel a la reinterpretación que se hace en el tebeo de Wigram, sólo ha conservado la oratoria hipotético-deductiva de su protagonista y la ambientación victoriana de un Londres decimonónico (de lo más conseguida, todo hay que decirlo, gracias a los prodigios de la digitalización).

Pero si el espectador medio, libre de la respetable atadura que supone la influencia del original, consigue levantar estas barreras puristas (a mi me costó unos 20 minutos), se hallará ante una película de acción y aventuras altamente entretenida, de ritmo vertiginoso y con una buena ristra de diálogos rebosantes de simpatía e ingenio, y con un Holmes totalmente transmutado, más aficionado al mamporro y la acrobacia que al violín y los placeres del opio. Sherlock Holmes es un film que, si funciona en taquilla (y difícilmente no lo haga), dará para alguna que otra secuela, por el simple motivo de que es lo más similar al concepto clásico de cine-espectáculo que servidor ha visto desde las tres primeras películas de Indiana Jones. Evasión en estado puro.

Un tipo serio.

2010-01-05T06:02:00.000-08:00

Si no fuera por el origen judío de sus directores y por la declarada voluntad autobiográfica de la película, pensaría que Un tipo serio emana mofa antisemita de principio a fin. Algo inconclusa e insípida argumentalmente, la nueva película de los Coen destila la ironía, el absurdo y esa concepción tragicómica de la existencia que tanto han caracterizado toda la filmografía de la famosa pareja realizadora. Además, da la sensación que el director bicéfalo cada día se parece más a W. Allen: peli por año, antihéroe con gafas, mirada irónica de unos supuestos orígenes semitas... ¿Para cuando la hipocondría, la verborrea y las localizaciones en NY?... Todo se andará. Recomendable, sin más.

Lo mejor de la década (2000-2009)

2009-12-31T02:45:00.000-08:00

Código desconocido (Francia, 2000. Michael Haneke)
Memento (EE.UU., 2000. Christopher Nolan)
Italiano para principiantes (Dinamarca, 2000. Lone Scherfig)
Amores perros (México, 2000. Alejandro González Iñárritu)
La isla (Corea del Sur, 2000. Kim Ki-duk)
La pianista (Francia, 2001. Michael Haneke)
Ciudad de Dios (Brasil, 2002. Fernando Meirelles)
Ser y tener (Francia, 2002. Nicolas Philibert)
Capturing the Friedmans (EE.UU., 2003. Andrew Jarecki)
El regreso (Rusia, 2003. Andrei Zvyagintsev)
Dogville (Dinamarca, 2003. Lars von Trier)
Kill Bill 1 y 2 (EE.UU, 2003/04. Quentin Tarantino)
Mi vida sin mí (España, 2003. Isabel Coixet)
Million Dollar Baby (EE.UU., 2004. Clint Easwood)
Hierro 3 (Corea del Sur, 2004. Kim Ki-duk)
Whisky (Uruguay, 2004. Juan Pablo Rebella, Pablo Stoll)
Exiled (Hong Kong, 2006. Johnny To)
Plan oculto ( EE.UU., 2006. Spike Lee)
Inland Empire (EE.UU., 2006. David Lynch)
Neil Young: Heart of Gold (EE.UU., 2006. Jonathan Demme)
Ficció (España, 2006. Cesc Gay)
La soledad (España, 2007. Jaime Rosales)
La cuestión humana (Francia, 2007. Nicolas Klotz)
American Gangster (EE.UU., 2007. Ridley Scott)
El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford (EE.UU., 2007. Andrew Dominik)
Hace mucho que te quiero (Francia, 2008. Philippe Claudel)
Los límites del control (EE.UU., 2009. Jim Jarmusch)

Lo mejor del 2009. Cine español.

2009-12-31T02:17:00.000-08:00

Arropiero. El vagabundo de la muerte (Carles Balagué)
El truco del manco (Santiago A. Zannou)
Pagafantas (Borja Cobeaga)
El último guión. Buñuel en la memoria (Gaizka Urresti, Javier Espada)
Celda 211 (Daniel Monzón)
REC 2 (Jaume Balagueró, Paco Plaza)
Los condenados (Isaki Lacuesta)
Las 2 vidas de Andrés Rabadán (Ventura Durall)

Lo peor del 2009.

2009-12-30T13:44:00.001-08:00

La semilla del mal (EE.UU. David S. Goyer)
Viernes 13 (EE.UU. Marcus Nispel)
Tetro (EE.UU. Francis Ford Coppola)
Fighting, puños de asfalto (EE. UU. Dito Montiel)
Exorcismo en Connecticut (EE.UU. Peter Cornwell)
Mein Führer (Alemania. Dani Levy)
Mapa de los sonidos de Tokio (España. Isabel Coixet)
Año uno (EE.UU. Harold Ramis)
Flores Negras (España. David Carreras Solè)
Eloïse (España. Jesús Garay)
Te quiero, tío (EE.UU. John Hamburg)
El baile de la victoria (España. Fernando Trueba)
Sueños de juventud (República Checa. JAN SVERAK)
Fama (EE.UU. Kevin Tancharoen)

Lo mejor del 2009.

2009-12-30T13:15:00.000-08:00

Mi nombre es Harvey Milk (EE.UU. Gust Van Sant)
El lector (EE.UU. Stephen Daldry)
La clase (Francia. Laurent Cantet)
El luchador (EE.UU. Darren Aronofsky)
Watchmen (EE.UU. Zack Snyder)
Up (EE.UU. Pete Docter y Bob Peterson)
Still Walking (Japón. Hirokazu Koreeda)
Gigante (Uruguay. Adrián Biniez)
Malditos Bastardos (EE.UU. Quentin Tarantino)
Los límites del control (EE.UU. Jim Jarmusch)
Mal día para pescar (Uruguay. Álvaro Brechner)

Balas y estrellas.

2009-12-22T05:33:00.000-08:00

El arranque de Ninja Assassin, una hiperbólica (y magnífica) escena de acción regada en sangre y salpimentonada con salvajes amputaciones, produce lo que yo denomino efecto levadura, es decir, inflar las expectativas del espectador hasta el punto de abrir su inicialmente recelosa receptividad.

Lamentablemente, a medida que se desarrolla el nuevo film del director de V de Vendetta, este efecto decrece y se deshincha cual suflé pinchado con un tenedor. Este acercamiento occidental al cine asiático de artes marciales que es Ninja Assassin, cuya premisa productiva corre el riesgo de compararse con el díptico Kill Bill, poco tiene que ver al final con la personal visión de Tarantino sobre el cine de género oriental.

La película, producida por los hermanos Wachowski y protagonizada por el cantante coreano Rain, sigue unos senderos mucho más trillados que los transitados por el director de Knoxville, tanto que cuando queremos darnos cuenta, ya estamos inmersos en un carrusel de convencionales escenas de letales ninjas y policías de gatillo fácil. Aunque lo peor de todo nos llega con el relleno de los entretiempos: los diálogos resultan tan simples y ridículos que imploraremos una nueva dosis de peleas a granel.

Si Ninja Assassin la hubiera dirigido un oriundo de la tierra de las katanas y los luchacos, seguramente no hubiéramos notado demasiadas diferencias, pero ¿merece la pena que el australiano James McTeigue se meta en berenjenal ajeno, para hacer exactamente lo mismo que los directores orientales ya realizan rutinariamente bien y sin ninguna ínfula? Sólo recomendable para seguidores incondicionales (y no demasiado exigentes) del cine de artes marciales.

El último Na'Vi

2009-12-11T11:21:00.000-08:00

No me cabe la menor duda de que Avatar será un taquillazo… por lo menos a lo largo de las primeras semanas de su estreno, durante las cuales la curiosidad “matará al gato”, estoy seguro de que el público acudirá en tropel a ver lo que se cuece. El despliegue de la última superproducción de James Cameron, tanto a nivel técnico como promocional, así lo merece, y difícilmente defraudará las expectativas depositadas en su diseño, digitalización y efectos 3D.

No estoy tan seguro, sin embargo, de que lo nuevo del director de Titanic y T2 sea recibido como el producto de SF definitivo que se nos promete, pues su sincrético argumento es tan descaradamente aglutinador a nivel temático que cuanto se nos narra ha sido tratado ya, de un modo u otro, por alguna película anterior: la relación de amor del protagonista con la cultura Na’Vi recordará a Bailando con lobos y El último mohicano; el funcionamiento macro-orgánico del planeta Pandora lo hará levemente a Solaris; y el despliegue tecnológico en el ecosistema pandoriano parece surgir de un cruce entre Parque Jurásico y Starship troopers…Western indigenista, cine bélico, aventuras coloniales y, evidentemente, ciencia ficción se mezclan con naturalidad en esta película, pero también sin el menor atisbo de originalidad.

Sólo el concepto de “avatar”, entendido como una reencarnación durante el sueño en un cuerpo extraterrestre diseñado genéticamente, aporta un elemento ligeramente novedoso al cine de ciencia ficción, pero lo hace superficialmente, forzando la credibilidad de algunas situaciones (el personaje interpretado por S. Worthington se integra en el clan Na’Vi con demasiada facilidad, levantando muy pocas sospechas), y sin profundizar demasiado en las interesantes posibilidades que este concepto arroja en lo que a confusión entre sueño y realidad se refiere.

Nos hallamos, pues, ante una película innegablemente entretenida y de diseño deslumbrante (cómo para no serlo después de gastar más de 230 millones), con un mensaje ecologista evidente y algún guiño gratamente antibelicista concentrado en el personaje del coronel Miles Quaritch, pero decepcionantemente previsible durante casi todo su desarrollo.

El luchador uruguayo.

2009-12-04T04:29:00.000-08:00

Poco a poco, y a base de películas notables, el cine uruguayo parece estar haciéndose un pequeño hueco dentro del aburrido panorama internacional, y si hace unos años, Whisky, 25 Watts y El baño del Papa constituyeron un inesperado soplo de aire fresco entre la medianía, en el presente, el relevo de Gigante y Mal día para pescar ha demostrado que aquellos 3 films no eran flor de un día.

Tras 3 cortometrajes, Mal día para pescar supone la puesta de largo del director Álvaro Brechner. La película hereda el minimalismo, la austeridad narrativa y la deprimente vis cómica que desprendían las obras citadas anteriormente, pero también incorpora una particularísima y juguetona manera de deconstruir un género tan tradicional y estadounidense como es el Western, con lo que Brechner no sólo demuestra un profundo y admirativo conocimiento cinéfilo sino también un capacidad de universalizar fuera de lo común, acercándose a directores tan venerados pero a su vez tan veneradores como Wim Wenders.

Y es que todo lo que acontece en la uruguaya localidad de Santa Maria, desde la llegada de dos forasteros (un excampeón mundial de lucha y su manager en busca de un desafío público de dudosa legalidad) hasta los espacios que éstos frecuentan (el motel, la redacción, la cantina, los polvorientos caminos), pasando por el aroma crepuscular y marchito que emana todo cuanto les rodea (incluidos ellos mismos), bien podría formar parte de un film del oeste firmado por Peckinpah, Leone o Clint Eastwood.

Narrada a partir de un gran flashback, la de Álvaro Brechner es una película de perdedores, de personajes heridos en su orgullo y necesitados de una redención que los dignifique. Sin embargo, el desenlace trágico al que parece abocada la historia, y que el oportuno leitmotiv de Lili Marlene no deja de recordar constantemente, se frustra acertada y sorpresivamente gracias a la amabilidad de su giro final, un giro que decanta definitivamente la balanza hacia la comedia. Comedia amarga, pero comedia al fin y al cabo.

Dibujos animados.

2009-11-24T11:57:00.000-08:00

Planeta 51 es la prueba plausible de que cada vez es menor la distancia que a nivel gráfico separa a las superproducciones de Disney, Pixar y Dreamworks de las películas de animación más austeras. Es irrefutable que la película de los españoles Jorge Blanco y Javier Abad consigue unos efectos visuales, en lo que a movimiento, volumen, profundidad y diseño, equiparables a los trabajos de Brad Bird, Andrew Stanton o Andrew Adamson. Ahora bien, ¿acaso Los increíbles, Wall-e o Shrek (por citar algunos ejemplos) han pasado a la historia de la animación únicamente por la calidad técnica que sin duda atesoran? La respuesta es: rotundamente NO.

Además de estos valores técnicos indispensables para ser consideradas obras maestras de la animación, estas películas han hecho gala de un conocimiento del lenguaje cinematográfico, de una sensibilidad y de una trascendencia discursiva tales que la peyorativa etiqueta de “infantil”, que tradicionalmente acompaña a las llamadas películas de “dibujos animados”, ha comenzado a ponerse en entredicho seriamente. ¿Posee Planeta 51 estas cualidades extraordinarias que marcan la edad adulta de la animación para todos los públicos? Ni por asomo.

Esta producción hispano-británica es una historia de temática alienígena en la que los roles se invierten. ¿Y si fuéramos nosotros los visitantes y no los visitados? ¿Y si un astronauta de la NASA aterrizara en un planeta habitado por una civilización avanzada? ¿Y si la concepción que tiene esa civilización extraterrestre sobre los alienígenas fuera igual de recelosa, prejuiciosa y fantasiosa que la nuestra? En base a estos términos, y recurriendo conscientemente a todos los tópicos habidos y por haber, Planeta 51 rinde obligado homenaje a las principales películas sobre extraterrestres, desde la ciencia ficción de los años 50 (Them!, La guerra de los mundos, El experimento del Dr. Quatermass, Ultimátum a la Tierra…) hasta E.T. y Alien. Sin embargo, los guiños cinéfilos no consiguen que Planeta 51 se desmarque lo suficiente de ese tono superficial e infantil del que Ratatouille, Up O Wall-e sí se desprendieron.

La tortuga boba.

2009-11-13T10:44:00.000-08:00

Documental de temática naturalista que narra el ciclo vital de las tortugas bobas, una especie de reptil acuático que nace en las costas de Florida, atraviesa el océano Atlántico hasta las Azores, y regresa a su lugar de origen para desovar. Inspirado por la de El viaje del emperador, Nick Stringer también personaliza la narración mediante una voz en off en primera persona (supuestamente la de la tortuga protagonista) y la secuenciación narrativa de las diferentes imágenes, dándole al film un sentido argumental equiparable al de un relato. En cambio, El viaje de la tortuga posee un mensaje ecologista más ponderado que el de la famosa película sobre el pingüino emperador. Ni que decir tiene que la calidad técnica de la película, tanto por la cercanía de la cámara como por la nitidez de los planos subacuáticos, es excepcional, lo que generará en el espectador un irresistible interés científico.

2009-11-10T13:09:00.000-08:00

Tras el sonido de un disparo en una casa (¿Suicidio o asesinato?), Partir se desarrolla a lo largo de un gran flashback que narra cómo una mujer, madura y de extracción burguesa, abandona a su familia para irse con el albañil catalán del que se ha enamorado (y descubrir de paso lo que es trabajar de sol a sol a cambio de 4 duros).

Sin transiciones y en apenas 85 minutos, Catherine Corsini pasa de un romance apasionado y sin química, al retrato social de un divorcio, para acabar con una inconclusa crónica negra. Es, pues, la indefinición y la insipidez lo que marca esta historia de amor.

Además, Partir, junto a Mapa de los sonidos de Tokio, es la ratificación de que Sergi López se halla mucho más cómodo en la encantadora ambigüedad moral de los personajes de Harry, un amigo que os quiere y Pintar o hacer el amor, que en su nuevo rol de seductor enamoradizo.

El regreso de Richard Kelly.

2009-11-04T08:34:00.000-08:00

Basada en una historia corta de Richard Matheson (entre otras obras autor de El hombre menguante, Soy leyenda y el Último escalón), The box se mueve entre el enigma fantástico de la mítica serie televisiva The Twilight Zone y el suspense surrealista que desprende la mayor parte de la filmografía de David Lynch.

Lo último del director de Donnie Darko abandona su inicial tono alegórico (¿Simboliza la caja con pulsador la mala conciencia del ser humano, o representa la azarosidad del infortunio?), para decantarse por el misterio pesadillesco, de narración inteligible y algo cargado de trascendencia en sus referencias a Arthur C. Clarke y Sartre.

Aunque Richard Kelly, que repite la estructura circular de su ópera prima, se confirma como un gran creador de atmósferas inquietantes y alucinatorias, la sensación última es la de que el metraje es demasiado abultado para un relato que se podría haber concretado en no más de una hora.

50 hombres muertos (o la nobleza del infiltrado).

2009-11-03T07:40:00.000-08:00

50 hombres muertos, que debe su título a las 50 personas que supuestamente Martin McGartland salvó con sus delaciones de ser asesinadas por el IRA, se inicia en Canadá, en 1999. En un paisaje gélido, un hombre revisa los bajos de su coche y tras subirse al vehiculo es tiroteado por un encapuchado que se da a la fuga. A partir de aquí, la mayor parte de la narración es un gran flashback que da cuenta linealmente de como el citado McGartland entró como voluntario del IRA mientras ejercía de informante de la policía.

Basada en la autobiografía del propio M. McGartland, este thriller sobre terrorismo sabe mantener la acción y el suspense gracias a una correcta hibridación entre espectacularidad y realismo, lo que lo sitúa cerca de películas como En el nombre del padre o la más reciente trilogía de Bourne. Es, sin embargo, su vertiente ideológica, lo que rebaja la categoría del film. Su equidistancia con los dos bandos contendientes, tan simplista como poco esclarecedora, obra a favor de un extraño ennoblecimiento del infiltrado o topo, una figura siempre reprobable que aquí adopta dimensiones casi heroicas hacia el final de la cinta.

Alvah Bessie contra Franco.

2009-10-14T01:26:00.000-07:00

Por la épica de su título y la amplitud de su sinopsis (la oposición de la Meca del Cine al levantamiento del General Franco y su posterior dictadura), se diría que Hollywood contra Franco es un documental histórico de afán divulgativo y mirada generalista. Su voluntad divulgadora, como la de todos los documentales de reconstitución histórica, es innegable, no así la amplitud de su mirada.

Salvo algunas escenas comentadas de películas como Casablanca, Por quién doblan las campanas, Bloqueo, Tal como éramos y Las nieves del Kilimanjaro, y unas pocas intervenciones de alguna personalidad notable (de entre las que destacan las del historiador del Cine Romà Gubern y la actriz estadounidense Susan Sarandon), el film se centra casi exclusivamente en las experiencias vitales e ideológicas del guionista Alvah Bessie, quien tras participar en la Guerra Civil española como brigadista del batallón Abraham Lincoln y militar en el Partido Comunista de América, mantuvo una amarga filiación con España.

Indudablemente, la mirada del señor Bessie, narrada en primera persona por la profunda voz en off del actor Lluis Soler, es interesante, pero también insuficiente si lo que se espera es una disección detallada del posicionamiento hollywoodiense ante la dictadura Franquista. Así, la de Oriol Porta resulta ser una película que sabe a poco y que se queda con una visión reducida de un tema al que se le podría haber sacado muchísimo más jugo.

Entre zombies anda el juego.

2009-10-12T08:54:00.000-07:00

Zombieland es una equilibrada mezcla de cine de zombies, comedia de acción y road movie que, para conseguir su entretenida y paródica hibridación genérica, tiene como principales referentes de inspiración las películas más populares de John Landis (Un hombre lobo americano en Londres) y Joe Dante (Gremlins), así como Los Cazafantasmas de Ivan Reitman, película a la que la hilarante presencia de Bill Murray en el reparto (interpretándose a sí mismo) rinde oportuno homenaje. Poco más es lo que se puede decir del debut de Ruben Fleischer en la gran pantalla, pues su intrascendencia y brevedad (80 minutos) hacen de él un producto tan divertido y gratamente inmediato como carente de pretensiones.

¿Woodstock?

2009-09-21T11:11:00.000-07:00

Coincidiendo con el 40 aniversario de la celebración del famoso festival hippie que da título a esta película, Ang Lee estrena Destino: Woodstock, una versión libre, basada en las memorias de Elliot Tiber, que incita a creernos que trata sobre cómo transcurrieron aquellos días de locura, paz, amor y libertad, pero que en realidad es un descarado intento de colarnos una comedia que aprovecha el tirón de la efeméride antes mentada.

Y es que el nuevo filme del oscarizado director chino-estadounidense, pese a las expectativas temáticas que genera su título, guarda escasa relación con el evento musical del 69. Como crónica sentimental, Destino: Woodstock aporta pocos datos de lo debió ser aquel acontecimiento, y se dedica a narrar, con el festival como telón de fondo y detonante liberador, la emancipación de su joven protagonista con respecto a sus padres, así como su liberación (homo)sexual y consiguiente aceptación de su recién adquirida tendencia.

¿Música? En un segundo término. ¿Política? Sólo una anecdótica referencia a la agitada situación estadounidense de aquel entonces. ¿Mención al auge y caída del hipismo y descripción de sus valores? Muy velada, por no decir sólo intuida por el espectador más voluntarioso. ¿Qué queda del festival en todo esto? Lo suficientemente poco como para defraudarnos: el uso de la multipantalla en homenaje al histórico documental de Michael Wadleigh, una aventurilla del protagonista con los ácidos (alucinaciones lisérgicas y coloristas incluidas) y alguna canción (Doors, Grateful Dead, The Band…).

¿Es Destino: Woodstock una mala película? No, es sólo una comedia amable, mejor que muchas de las astracanadas que atestan nuestras carteleras, pero en ningún caso hilarante, irónica o ingeniosa. Una película que, tras algún retoque argumental, bien podría suceder en Benicàssim. Y es también una constatación: que el director de Brokeback mountain y Tigre y dragón se maneja infinitamente mejor en el registro trágico que en el cómico.

El gángster tamborilero.

2009-09-11T06:03:00.000-07:00

El latido de la montaña es el tercer largometraje en la carrera de desconocido director hongkonés Kenneth Bi, uno de los valores en alza de la productora Shaw Brothers Studio. Curiosa fusión entre cine de tríadas (o dicho de otra forma, el cine de mafiosos realizado en Hong Kong) y cine oriental de temática antropológica, la película sabe aprovechar la originalidad de esta mixtura durante buena parte del metraje. Así, a la acción urbana le sigue después un reposado misticismo derivado de la contemplación tanto de los paisajes montañosos de Taitung como de tradición tamborilera china. Lejos de chirriar, el contraste se atempera gracias a la cómica situación que vive su protagonista, la típica trama del intruso benefactor. Todas estas buenas maneras se deslucen algo al final debido a una duración innecesaria y a un desenlace anudado en exceso.

Mapa de los sonidos de Tokio.

2009-08-30T14:02:00.000-07:00

Tengo la sensación de que Isabel Coixet todavía no ha superado su trauma post-Lost in translation, ni asimilado el refrescante desembarco oriental que vivieron nuestras carteleras años atrás. Sofia Coppola, W. Kar Wai, K. Ki-Duk, P. Chan Wok, T. Kitano son algunos nombres que Mapa de los sonidos de Tokio consigue evocar, sin remitirnos a quien realmente nos debería remitir: su directora. Película distraída, en la que Coixet juega un poquito al thriller de yakuzas, pero que no pasa de ser un batiburrillo impersonal de influencias exóticas que sirve para decorar un romance con muy poca química.

Sobre brujas, mujeres y "ginocidas".

2009-08-15T04:18:00.000-07:00

Como casi todas sus obras precedentes, Anticristo, la nueva propuesta de Lars Von Trier, ha generado entre crítica y público tanto valoraciones favorables como de repulsa enérgica. Posiciones abiertamente enfrentadas que encuentran su explicación en el afán del director danés por la provocación, y que quizá no lo serían tanto si la aproximación a sus películas tratara de ser más equidistante y moderada.

Para empezar, hemos de decir que nos hallamos ante un ejercicio de género (Anticristo se circunscribe dentro del terror y del suspense psicológico) que el director ejecuta con absoluta libertad, recurriendo a la convenciones genéricas cuando le interesa (oscuridad, gore, ambientación sonora y escénica desasosegante) sin dejar de dar rienda suelta a sus obsesiones personales. Y he aquí, en sus obsesiones íntimas, donde encontramos una peculiaridad que nos permite explicar Anticristo: Lars Von Trier realizó la película a modo de reto terapéutico después de superar una profunda depresión 2 años atrás, por lo que ésta tiene mucho de paranoico exorcismo de sus demonios interiores.

Al margen de su poderosa imaginería visual -basada en los oscuros parajes boscosos de Westfalia (Alemania), la iconografía cristiana y en un simbolismo básico pero efectivo-, Anticristo se construye de manera muy sencilla, pues sólo dos intérpretes, Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg, aparecen en escena. La traumática pérdida de un hijo es el punto de partida de una historia capitulada en 6 episodios (4 capítulos más un prólogo y un epílogo) en la que un matrimonio deberá superar la pena que le embarga. Él, psicólogo de profesión, tratará de ayudar a su mujer proponiéndole una terapia de choque: llevarla a una cabaña de campo, bautizada con el explícito nombre de Edén y aislada totalmente de la civilización, donde se enfrente a sus miedos más profundos.

Durante buena parte del metraje, y como si de una película de Bergman se tratara (Von Trier menciona abiertamente Secretos de un matrimonio como fuente de inspiración), los diálogos lentos, freudianos y cargados de llantos inundarán la pantalla. Pero mientras esto sucede, una atmósfera enrarecida y malsana irá in crescendo a la par que se desentraña la intriga.

A medio camino entre la Kathy Bates de Misery y la Isabelle Huppert de La pianista, Charlotte Gainsbourg se convertirá en la artífice de un clímax más previsible de lo esperado y con una carga misógina que tiene más de provocación que de convicción, tal y como ha admitido el director.

Desactivada la polémica, Anticristo es un film de una tensión final notable, pero con un discurso menos profundo de lo pretendido. Y es que si Von Trier hubiera moderado su afán autoral, ahorrándose sus disertaciones sobre brujería y psicoanálisis y ciñéndose al terror al uso, seguramente la historia hubiera resultado más ambigua y sugerente. De manera bastante sorprendente, la película está dedicada al cineasta ruso A. Tarkovski.

Hitler revisado.

2009-08-13T06:07:00.000-07:00

Precedida por la polémica en su país de origen, llega a nuestras salas comerciales la comedia Mein Führer, una pretendida sátira acerca de la patética figura de Adolf Hitler durante el último año de la II Guerra Mundial (1939-45). Como parodia, el film del veterano Levy resulta de lo más insulso, pues ninguna de las situaciones propuestas hacen gracia ni caen en gracia. Un pobre balance que queda absolutamente refrendado tras contemplar atónito el poco original desenlace de la película, literalmente plagiado de los últimos minutos de la obra maestra de Charles Chaplin, El gran dictador.

El justificado despedazamiento de esta patraña se quedaría en el párrafo anterior si no fuera por la peligrosa carga ideológica que ésta contiene. De manera insensata (y quiero creer que inconsciente), Levy victimiza la figura de Hitler y lo retrata como un ser torturado por una infancia traumática, convirtiéndolo además en una marioneta en manos de los ministros Goebbels y Himmler. La cinta llega incluso a sugerir que el “pobre” Hitler desconocía el horror que supuso la llamada Solución Final, y que el verdadero destino que el cruento dictador había ideado para el pueblo judío fue la isla de Madagascar.

Desconozco lo informado que estará el señor Levy en materia historiográfica, pero alguien debería advertirle de que su interpretación se halla muy cerca de los postulados revisionistas y negacionistas, aquellos que mitigan o niegan directamente el Holocausto. Lo más triste y sorprendente de todo esto es que Dani Levy es judío…

V.O.S.

2009-08-10T15:01:00.000-07:00

En su nueva película, el catalán Cesc Gay dilapida su enorme talento por rendirse a los mandatos estéticos de la “modernez”. Como su anterior filmografía, V.O.S. exhala un aroma “alleniano” fuera de toda duda, pero a éste Gay le añade un innecesario planteamiento metacinematográfico que, además de no aportar absolutamente nada a la historia, entorpece su correcta fluidez.

Si el elemento metalinguístico (mezclar realidad y ficción mostrando deliberadamente las hechuras de la realización cinematográfica para así reflexionar sobre la creación fílmica) está más que justificado en –por citar algún ejemplo notable- los guiones de Charlie Kaufman, en V.O.S. se reduce a un truco demasiado barato e inasumible como para que encuentre un encaje adecuado en el guión. Ninguna reflexión ni novedad se desprende de esta elección, dando la sensación de que el director se está rigiendo más por el deseo de seguir una moda culta y arriesgada que por imperativos estrictamente artísticos y/o narrativos.

Además, la brillante naturalidad que empapó a películas como En la ciudad y Ficción, aquí no aparece hasta un desenlace cuyo ingenio corrige un poco el sentimiento de decepción absoluta, tornándolo sólo una sensación agridulce, algo del todo insuficiente para lo que se espera de un cineasta de la talla de Cesc Gay.

Poco seso y mucha acción.

2009-08-06T06:25:00.000-07:00

Buscar profundidad en el guión de aquellas películas basadas en exitosas líneas de muñecos, además de inoportuno, puede resultar quimérico. Transformers, Masters del Universo y los propios G.I. Joe eran juguetes cuyos argumentos se basaban en una simple confrontación entre las fuerzas del bien y del mal, por lo que cualquier lectura que vaya más allá de esto roza lo ridículo.

No es extraño, pues, establecer que el guión de la publicitada nueva película de Stephen Sommers no es más que una sucesión de ataques y contraataques por conseguir una peligrosa arma nanotecnológica entre los susodichos G.I. Joe, los buenos, y una todavía embrionaria organización terrorista llamada Cobra, los malos. Este plano y simple desarrollo sólo será perturbado por algún que otro flashback explicativo sobre el pasado de algunos de los personajes, también planos y simples en su totalidad.

Dicho esto, llegamos a la no demasiado compleja conclusión de que el único valor de G.I. Joe reside en su voluntad de llevar la acción a un apogeo constante a través de unos impactantes y vistosos efectos digitales, objetivo que logra de forma relativamente fácil pero que hace preguntarnos si para conseguirlo es necesario renunciar a un guión mínimamente inteligente.

Como era de esperar, la acción mezcla ininterrumpidamente hazañas bélicas, persecuciones (automovilísticas o aéreas), explosiones, artes marciales y prodigios tecnológicos, “ornamentando” vistosamente todos estos elementos a través de un trabajo técnico incuestionable, que empacha quizá algunas escenas (las que se desarrollan en el desierto y bajo el agua, por ejemplo) hasta el punto de asemejarlas a una pantalla de un videojuego de última generación o un fragmento de una película de animación en 3D.

En conclusión, el director de La Momia y Van Helsing traza un producto entretenido pero olvidable y algo infantil, sólo apto para adolescentes sin demasiado ánimo trascendencia, y que dependiendo de su recaudación está destinado a generar alguna que otra secuela.

Asalto al tren del Pelma (de Tony Scott).

2009-07-24T03:29:00.000-07:00

Hay que reconocer que el nuevo trabajo del pequeño de los Scott sabe generar (y mantener) las expectativas durante la primera mitad del metraje. La adaptación a los tiempos actuales de la película de Joseph Sargent, Pelham uno, dos, tres (1970), inicialmente nos hace intuir un thriller post-11S que explota la temática del miedo a la amenaza terrorista y que diluye las fronteras morales entre “buenos” y “malos”.

El adrenalítico (y mareante) estilo de Scott resulta en esta fase plenamente justificado ante el clima de peligrosa y crispada tensión que se nos narra, y el aporte cualitativo viene dado por el tête à tête entre Washington y Travolta, un duelo actoral en el que el afroamericano persevera en su rol de héroe de calle y Travolta se reinventa (memorable su interpretación de macarra taleguero y sin escrúpulos) abriéndose muchas puertas de cara a futuros proyectos.

Por desgracia, todas estas buenas sensaciones se borran de un plumazo durante el último tercio del film, momento en el que Scott introduce elementos de guión forzadísimos y redirige su sugerente arranque hacia el convencional discurso del héroe de a pie. Un discurso narrativo donde el ciudadano medio que se sacrifica por los demás vence todas las adversidades habidas y por haber, y en el que se pueden entrever eslóganes de lo más patrioteros. La típica americanada, hablando alto y claro. Asi pues, nos encotramos ante una prometedora película que, finalmente, se queda en un dinámico aunque mero entretenimiento.

El chico del té: el nuevo Apu.

2009-07-23T17:56:00.000-07:00

Pese a las unánimes alabanzas recibidas por parte de la mayoría de críticos, lo último del británico Danny Boyle (Trainspotting) es un film interesante aunque prescindible, una película que, lamentablemente, baja del 8 al 6 de forma vertiginosa durante su desarrollo.

Notable en su arranque, Slumdog Millionaire combina la serie negra con el cine de denuncia de herencia hindú (Satyajit Ray). Lo hace con resolución, valiéndose de una atractiva estructura fragmentada y de un estilo frenético de estética videoclipera.

Esta vistosa y efectiva mixtura acaba diluyéndose en su último tercio a causa de un desenlace irritantemente complaciente (happy end), una resolución radicalmente opuesta a la indudable carga trágica que la historia posee. Los créditos finales, una divertida coreografía a lo bollywood, consiguen aliviar en algo (no del todo) la sensación de decepción

Brillante metáfora

2009-02-18T14:37:00.000-08:00

Al ver The Reader, uno, que es españolito de a pie, no puede más que sentir envidia sana. Y es que comparar cinematográficamente el nuevo film del británico Stephen Daldry (Billy Elliot, Las horas) con cualquiera de las chabacanadas que ocupan las nominaciones a los Goya 2008 equivale a comparar a Dios con un mendigo. No menos ridícula resulta dicha comparación si la hacemos desde el punto de vista discursivo, aspecto en el cual me voy a centrar.

Mientras que aquí, para hablar de nuestras miserias históricas (Guerra Civil, Dictadura Franquista y Transición), nos andamos con rodeos, medias verdades o recurrimos al cansino costumbrismo, Daldry, para reflexionar sobre el horror nazi y la corresponsabilidad de la sociedad alemana en el Holocausto, se ha valido de una historia sencilla a la par que profunda y elocuente.

No nos equivoquemos. The reader no es una historia de amor imposible entre un adolescente y una mujer madura. Tampoco es un drama judicial con el nazismo como telón de fondo. The Reader es mucho más que todo eso, es una perfecta metáfora sobre el doloroso y ambiguo sentir de la sociedad alemana frente a su pasado nazi. Michael, el protagonista de la película, además de un joven enfermo socorrido por una atractiva mujer, representa a la insana sociedad alemana de entreguerras. Por su parte, Hanna no sólo es la ignorante y maternal mujer que seduce a Michael, ella simboliza a la prometedora patria nazi, la madre patria.

Después del idilio viene la cruda realidad, la certeza de lo que esta mujer, carcelera nazi acusada de dejar morir quemadas a 300 personas, fue capaz de hacer. Michael, como la sociedad germana ante la contemplación de los campos de exterminio, está confuso: ¿Cómo esa atractiva, bondadosa y complaciente mujer que le sedujo y le ayudó cuando él más lo necesitaba fue capaz de cometer semejante crimen? La respuesta sólo puede ser una: tras el llanto desconsolado y la decepción, sólo queda la autocrítica y la asunción del pasado. Tomemos nota por estos lares.

Duda razonable

2009-02-01T14:42:00.000-08:00

Un año después del asesinato de JFK, una escuela católica de los EEUU se debate entre el tradicionalismo docente de su directora, interpretada por la veterana Meryl Streep, y el aperturismo humanista del párroco del colegio, personaje a quien da vida Philip Seymour Hoffman. Entre ambos hallamos ejerciendo de bisagra a la hermana James, una joven monja, profesora del colegio, cuyas dudas a la hora de tomar partido por uno u otro bando serán plenamente compartidas por el espectador.

Galardonada con los premios Pulitzer y Tony, “La duda” se trata de una pieza teatral adaptada a la gran pantalla por su propio autor, John Patrick Shanley, director también de la intrascendente Joe contra el volcán (1990). Shanley no sólo se muestra mucho más serio y profundo que en su debut cinematográfico, sino que, lejos de conducir su nuevo film por los fáciles derroteros del maniqueísmo más primario y visceral, mantiene hasta los créditos finales nuestra incerteza acerca de los verdaderos sentimientos y motivaciones de los dos “contendientes”. ¿Es la hermana Aloysius Beauvier una malintencionada mujer interesada en desacreditar al padre Brendan, o bien es la única que ve las secretas e indecentes intenciones que éste tiene sobre un alumno de color recién llegado?. Quizá deliberadamente, esta duda irresoluta acabará eclipsando el debate educacional planteado minutos antes y confundirá las verdaderas intenciones del film, haciendo así honor al título de la película y alejándose de otras que, como Priest o Las hermanas de la Magdalena, únicamente pretendían afrentar a la Iglesia católica.

Como no podía ser de otra manera, La duda se mueve por unos parámetros bastante teatralizados. Sus acciones, que transcurren en interiores y escenarios limitados visualmente, encuentran en la dialéctica y en los envites verbales su principal dinamizador. Indudablemente, la severa interpretación de Streep y la apaciguada melancolía que casi siempre desprende Seymour Hoffman dotarán a estos diálogos de mayor profundidad y carga dramática. Sin embargo, no nos encontramos ante un mero ejercicio de teatro filmado. John Patrick Shanley acompaña diálogos e interpretaciones con un buen surtido de imágenes simbólicas que de forma bella y constante subrayarán muchos de los sentimientos de sus personajes, confirmándole de paso como un director conocedor del medio, y no como un prestigioso literato que se sitúa detrás de una cámara para adaptarse a sí mismo.

Cuajo, Adolfo, Barcelona

2009-01-19T11:58:00.000-08:00

A ritmo de rap callejero, El truco del manco nos narra la historia de “Cuajo” y Adolfo, dos colegas que sueñan con tener su propio estudio de grabación. El “Cuajo”, discapacitado físico con serios problemas de movilidad (un papel hecho a la medida de “El Langui”, quien padece una parálisis de nacimiento), es todo arrojo y tesón ante las dificultades. En cambio, Adolfo, un mulato toxicómano cuyo padre tiene serios problemas con la bebida, representa el desengaño y la apatía.

Lejos de la estampa turística de Vicky Cristina Barcelona y de la realidad aburguesada y catalano-hablante de los films de Cesc Gay, el debutante Santiago A. Zannou nos retrata una Barcelona dura y gris, la Barcelona de la marginalidad, la inmigración, los gitanos, la droga y “el trapicheo”, si bien es cierto que El truco del manco podría suceder en cualquier barrio periférico de cualquier urbe española.

En su ópera prima, Zannou entrecruza el cine quinqui de Jose Antonio de la Loma (Perros Callejeros, Yo, “El Vaquilla”) y Eloy de la Iglesia (El pico) con el realismo social más crudo e impactante, no en vano el director revindica Los olvidados de Luis Buñuel como una de sus películas de cabecera. Para aportar al film el realismo y la visceralidad necesarios, Zannou ha apostado por un estilo visual áspero, opresivo y nada embellecido, y por un reparto no profesional que combina la voluntariosa pero a veces forzada interpretación de “El Langui”, miembro de la banda de Hip-hop La Excepción, con el convincente y destacable trabajo de Ovono Candela.

Durante buena parte del metraje, la historia transmite un conveniente hado trágico, tan acertado que llega a abatir al espectador sin resuello alguno. Sin embargo, el mensaje final de autosuperación, algo aleccionador en sus conclusiones, acaba suavizando esta notable impronta trágica, haciendo del film un producto más convencional de lo que prometía en su desarrollo. Con todo, nos hallamos ante un dignísimo debut y, con diferencia, la mejor película de la presente (y mediocre) edición de los Goya.

El indomable Harvey

2009-01-13T12:29:00.000-08:00

Como Linklater y Soderbergh, Gus Van Sant es de esos cineastas norteamericanos de vocación indie que van alternando sus extravagancias más minoritarias con trabajos de corte más comercial. Aunque, si bien aquellos dos directores han conseguido tocarme la fibra en más de una ocasión, el director de Elephant nunca ha llegado a calarme realmente hondo (mea culpa, seguramente). Presentada esta subjetiva alegación, he de decir que Milk, contradiciendo mis negativas (y subjetivas, repito) expectativas, me pareció una película redonda, por no decir soberbia, seguramente la mejor que he visto del director hasta la fecha.

Olvidando sus almibarados y lacrimógenos dramas sobre jóvenes superdotados (El indomable Will Hunting, Descubriendo a Forrester), así como su atrevidas pero plúmbeas y depresivas deconstrucciones espacio-temporales (Last days, Gerry), Van Sant ha regresado a los márgenes del cine comercial con un interesantísimo biopic que se ocupa de los últimos 8 años de la vida de Harvey Milk, afamado político y activista que, tras las elecciones municipales de San Francisco celebradas en 1978, se convirtió en el primer concejal declaradamente homosexual de la Historia de los EEUU. Un hombre admirable que debió luchar contra la ignorancia y el integrismo católico, que creó las bases de lo que hoy es el lobby gay, que fue santo y seña del activismo homosexual, que se valió hábilmente del pasteleo político para mejorar la vida de los suyos, que llegó a inspirar la archiconocida bandera Arcoíris, y que, finalmente, pereció a manos de un paleto en un vil magnicidio.

Conocida es la condición homosexual del director, factor que seguramente ha acrecentado su implicación con esta historia, sin embargo, la tentación de convertir la vida de H. Milk en una hagiografía o en una burda historia de “locazas” reivindicando amaneradamente sus derechos fiesteros por las calles de “Frisco” era demasiado grande. Pues ni una cosa ni la otra. G. Van Sant hace suyo el género biográfico aportándole sensibilidad, equilibrio, enjundia y emoción. Con el documental The Times of Harvey Milk (1986) como referente, los 2 pilares en los que se basa Van Sant para conseguirlo son la excelente interpretación de Sean Penn, con una labor mimética casi perfecta, y un guión tan sustancioso temáticamente como para escribir un ensayo sobre praxis política y derechos civiles. Si a esto añadimos una ambientación impecable, muy pareja al revivalismo setentero de American Gangster y Zodiac, el resultado será una película tan testimonialmente valiosa como cinematográficamente extraordinaria.

La Reina de Australia

2009-01-10T11:53:00.000-08:00

Al igual que Moulin Rouge, film con el que el director australiano Baz Luhrmann se dio a conocer internacionalmente, su nuevo trabajo hace bandera de la hibridación posmoderna, bebiendo a trago tanto del clasicismo más memorable como de las tendencias estéticas y tecnológicas más innovadoras.

No resulta extraño, pues, observar como en esta mastodóntica producción titulada Australia, referentes tan añejos y celebrados como el cómico romanticismo de La Reina de África (los personajes de Kidman y Jackman son en muchos aspectos análogos a los que en su día interpretaron Bogart y Katharine Hepburn en la película de Huston), la épica ganadera del western (Río rojo, sin ir más lejos) y un sentido homenaje a El mago de Oz, se entremezclan con cierta soltura con las imágenes digitalizadas, el humor cafre y el indigenismo de temática aborigen (aquí el referente innegable sería La última ola del también australiano Peter Weir).

Captadas estas heterogéneas influencias, Australia es una película que como historia de romance y aventuras se disfruta hasta bien pasados sus 100 primeros minutos. A partir de aquí, cuando parece que ya está todo dicho, Luhrmann se saca de la manga 1 hora adicional de metraje en la que el notable relato anterior queda enterrado bajo una lacrimógena “historia de amor en tiempos de guerra” (la II Guerra Mundial, para ser más exactos). Además, esta nueva e innecesaria historia con ínfulas de magnanimidad está aderezada con una forzada voluntad de denuncia (una crítica a la segregación de los nativos australianos) que ya había quedado más que patente desde el principio. Película disfrutable aunque excesiva.

El futuro ya está aquí.

2008-12-16T03:19:00.000-08:00

El disenso y los traumas que entre 3 hermanos (2 hombres y una mujer de edad madura, para más señas) ocasiona el reparto de una valiosa herencia, compuesta básicamente por obras de arte y un gran caserón campestre, bien podría resultar un argumento más propio de los intereses de la alta burguesía francesa que de los del común de los mortales. Sin embargo, tal lectura no sería más que una valoración simplista, irreflexiva y bastante desacertada de lo que la nueva película del ex-redactor de “Cahiers Du Cinéma”, Olivier Assayas, nos depara, que no es poco.

Las horas del verano nos ofrece reflexiones mucho más hondas y universales que las banales disyuntivas que se generan tras la muerte de "la mère" entre un grupo de franceses acomodados. Puede sonar a diatriba antisistema salida de la boca del señor Michael Moore o de las páginas del último libro de Noam Chomsky o Naomi Klein, pero lo cierto es que las preocupaciones plasmadas en la nueva película del director de Finales de Agosto, principios de Septiembre enraízan directamente con aquellos ensayos sociológicos sobre las nuevas formas de vida en el denominado “capitalismo flexible”.

La inmediatez, el desarraigo, la cuantificación, el materialismo o la deslocalización son peajes que el nuevo orden está imponiendo a nuestra sociedad occidental en detrimento de los valores de un mundo casi extinto, el de nuestros padres y abuelos. En otras palabras: familia extensa, lealtad, referentes morales, el mundo de la memoria o el valor intangible de lo afectivo son conceptos que parecen estar condenados a desaparecer en una realidad regida casi en exclusividad por la globalización más salvaje y absoluta. Es lo que el sociólogo británico Richard Sennett llama “la corrosión del carácter” cuando afirma que “las especiales características del tiempo en el neocapitalismo han creado un conflicto entre carácter y experiencia, la experiencia de un tiempo desarticulado que amenaza la capacidad de la gente de consolidar su carácter en narraciones duraderas”. De todo esto, y no de las disputas sobre el legado de mamá, es esencialmente de lo que habla Las horas del verano. Casi nada.

Pero no os asustéis. Assayas no es un proselitista que se valga de arengas incendiarias o de una densa y cansina obra-ensayo para expresar su discurso. Lo suyo es Cine fino y, por ende, empuña unas armas aparentemente inocuas pero mucho más sutiles y efectivas: un intimismo costumbrista alejado de la sensiblería y el maniqueísmo, y basado en la expresividad de los diálogos y los gestos.

Asimilado su alegato, al cineasta galo se le puede acusar de ser excesivamente nostálgico, pero no de vivir en la inopia. El capitalismo flexible está aquí, entre nosotros, transmutando los valores del pasado y las tradiciones, eso es indiscutible. Si lo que nos depara es mejor o peor que aquello a lo que substituye ha de valorarlo cada cual, aunque el director ya lo tiene muy claro. Sin embargo, tras esta visión desencantada, Assayas deja una puerta abierta a la esperanza. La esperanza en la disidencia de unos pocos que huyen de la corriente mayoritaria y que están representados por esa pareja de jóvenes que, en el último plano del film, corre hacia un mundo bucólico y desconocido, lejos de la estruendosa fiesta de despedida que se está celebrando en el ruinoso caserón de la madre muerta. Elocuente estampa, sin duda.

AGENTES CONTRA BURÓCRATAS

2008-11-22T05:16:00.000-08:00

Parece ser que estamos de enhorabuena. Si en algún momento asomó en nosotros el razonable temor de que American gangster era tan solo el espejismo de un pasado mejor, nos equivocamos de lleno. La nueva película del Ridley Scott, Red de mentiras, nos reafirma que el británico vuelve por sus fueros, los del Cine de alta calidad, y confirma su plena recuperación de fiascos tan sonados como El reino de los cielos, Los impostores, La teniente O’Neil o, sin ir más lejos, Un buen año.

Secundado por Leonardo Di Caprio y Russell Crowe, Scott ha elegido para su regreso una historia de espías con trasfondo político, lo que da fe tanto de su heterogeneidad temática (nada se le resiste: Cine gansteril, bélico, épico, histórico, fantástico…), como de la condición de indiscutible intérprete fetiche que el fornido actor australiano ha adquirido para el director (previsiblemente, su próximo filme, titulado Nottingham, también estará protagonizado por Crowe).

Basada en una novela de David Ignatius –veterano columnista del Washington Post-, Red de mentiras narra la historia de Roger Ferris (L. DiCaprio), un agente de la CIA que ésta destinado en Irak con el objetivo de capturar a un peligroso líder islamista. Paradójicamente, Ferris no sólo deberá lidiar con la implacable amenaza del terrorismo internacional. Su inmediato superior, Ed Hoffman (R. Crowe, fantástico en su caracterización), es un inmoral y pragmático burócrata que más que un apoyo, supondrá un serio obstáculo para la misión, amén de fuente inagotable y sangrante de desconfianza.

Como se puede deducir, no es por su previsible e innegable virtuosismo visual por lo que destaca esta cinta (huelga decir que el director de Blade Runner vuelve a hacer gala de su característico estilo adrenalítico e impactante, muy deudor del videoclip y la publicidad), sino por su sorprendente vertiente discursiva. Y es que el mensaje transmitido en su día por un panfleto tan indecente como Black Hawk derribado no auguraba nada bueno. De nuevo, temores despejados: obviamente, Red de mentiras no es un alegato antiimperialista (desengañémonos, todavía no conozco a ningún realizador perteneciente al mainstream americano, salvo el manipulador y excéntrico Michael Moore, que así se haya declarado abiertamente), pero sí una crítica osada, directa y visceral a los reprobables métodos de los servicios de inteligencia estadounidenses.

Consabido es que no es demasiado acertado hacer del menor de los Scott más papista que el Papa, pero a la comparación con Spy game (Tony Scott, 2001), película con la que Red de mentiras guarda no pocas similitudes argumentales, es necesario responder que la de Ridley es una película de mayor enjundia y trama más compacta.

El personaje interpretado por DiCaprio es un agente implicado y penitente que, sin despreciar la cultura musulmana, confía en la democratización del mundo árabe; al respecto, el conato de relación que emprende con una enfermera nativa es muy significativo. Tras ser traicionado por su superior, renuncia a su cargo y deposita sus esperanzas en la autonomía de los países de Oriente Próximo para que éstos solucionen (con algo de ayuda, eso sí) sus propios asuntos. El mensaje es claro a la par que rotundo. La gestión de los problemas ha de recaer en quienes padecen y sufren cada día el terrorismo en sus propias carnes, y no en aquellos indeseables que desde sus confortables despachos dan órdenes interesadas y contraproducentes. En otras palabras, nativos y agentes de campo, sí, acomodados y mezquinos burócratas, no.

Concluyendo. Parece que este año, el tortazo propinado a la CIA ha sido doble. Primero los Coen, con su absurda pero mordaz Quemar después de leer, y ahora, Sir Ridley Scott, con esta notable intriga con recado politológico. Lo más curioso del caso es que ambas películas empiezan y acaban igual, con sendos zooms desde la cámara de un supuesto satélite espía (de aproximación, al inicio, y de retroceso, al final). ¿Copia o coincidencia? Abran sus apuestas.

Rosales erró el tiro.

2008-11-12T19:07:00.000-08:00

Tras su merecido (e inesperado) éxito en la pasada edición de los Goya, Jaime Rosales se ha apresurado a estrenar su nueva película, algo que corre el peligro de ser interpretado como un modo oportunista de “aprovechar el tirón”, pero que visto el resultado no ofrece ninguna duda: el cineasta barcelonés continúa mostrándose independiente, transgresor e impasible ante cualquier canto de Sirenas, y su último trabajo, una observación obsesiva y morbosa de la rutina de un etarra, así lo ratifica.

Durante buena parte de Tiro en la cabeza todo resulta de lo más normal y apacible. Ion, el protagonista, se levanta, desayuna, pasea, lee la prensa, se bebe unos zuritos con los amigos en el bar, se acuesta con mujeres… nada hace sospechar que detrás de esa apariencia de ciudadano medio se esconde el implacable asesino que en realidad es, el sicario que, junto con otros 2 compañeros, ejecutó en Capbreton a los guardias civiles Fernando Trapero y Raúl Centeno.

Aunque su temática se presta a ello, la de Rosales no es una película estrictamente política. Es mucho más cercana a obras como El carnicero, Henry: retrato de un asesino o Elephant, que al cine-denuncia de temática terrorista (me vienen a la cabeza filmes como Omagh, Operación ogro, La pelota vasca o 13 entre mil). Sin embargo, a diferencia de Chabrol, John McNaughton y Gus Van Sant, Rosales renuncia sin complejos a la narración convencional y se decanta por una mirada subjetiva, distante y carente de diálogos audibles, un vouyerismo en el que el vigía parece estar separado del objeto de su (nuestra) obsesiva vigilancia por una gruesa e impenetrable vitrina. Captada esta provocadora premisa, todo lo que acontece desde entonces es demasiado repetitivo y prolongado como para apuntalar nuestro interés con cierta firmeza, y sólo en su tercio final (el asesinato, los momentos que le precedieron y la huida) el film logra retomar el pulso.

No se le puede negar osadía y originalidad, pero lo nuevo de Rosales es más propio de una exposición de videoarte que de una sala de exhibición al uso. Triste pero cierto: en la mayoría de ocasiones, Cine y Arte parecen tan extraños y huidizos entre sí como el agua y el aceite.

Charlie Kaufman: Imitando a la vida.

2008-10-24T09:45:00.000-07:00

Durante el visionado de Synecdoche, New York, la primera sensación que servidor tuvo fue de grata familiaridad, de que lo que estaba presenciado reedita con esmero y soltura aspectos estéticos, temáticos y tonales ya vistos en películas tan estimulantes como Olvídate de mí!, Cómo ser John Malkovich y Adaptation. Una sensación que va más allá de la mera obviedad (Charlie Kaufman, director de Synecdoche, New York, fue también guionista de esos tres filmes), y que reabre el debate acerca de la verdadera autoría de una Película, ya que ratifica de tal manera la impronta de los guiones de Kaufman en las obras de Gondry y Jonze, que sitúa a ambos realizadores en una posición, cuando menos, incómoda.

Finalizada la proyección, la segunda impresión que se me generó es la de haber asistido a algo monumental, inabarcable, rayano a la genialidad y huidizo a los límites de mi comprensión inmediata. Kaufman, en su ópera prima, lleva los ítems de sus anteriores guiones a la pirueta más mortal de todas las que se han visto: la de hablar de la vida y el tiempo amasándolos cual Marcel Proust metido a cineasta o Tarkovsky posmoderno. Ese tiempo, esa vida, son los de Caden Cotard, un particular director teatral cuya existencia queda en “stand by” tras el abandono de su mujer y su hija. Después del trauma emocional, los acontecimientos se sucederán sin demasiado énfasis alrededor del pasivo y melancólico señor Cotard, a quien sólo motiva el estreno de su nueva obra, un montaje mastodóntico con el que pretende reproducir su propia existencia y con ello el fluir vital de la ciudad de Nueva York.

Synecdoche, New York es deliberadamente irregular, saludablemente autoparódica y obligadamente autoreflexiva. Y es que allí donde cualquier artesano del Cine se contentaría con la noble labor de entretener sostenidamente, Kaufman se empeña en ir más allá, en provocar a lo largo del metraje infinidad de reacciones, algunas de ellas totalmente opuestas a una valoración positiva del film: curiosidad inicial, indispensable y obligada; tedio casi constante, causado por el inquebrantable abatimiento de su protagonista; sorpresa, por lo jeroglífico del argumento; admiración, fruto de la belleza y originalidad de las imágenes; absurdo, siempre de la mano del onirismo bien plasmado; empatía y complicidad, ante lo vívido del drama del personaje principal (convincentemente interpretado por un Seymour Hoffman cada día mejor); y, finalmente, el estupor y sometimiento que acarrean la grandeza y complejidad del entramado metavital exhibido.

En definitiva, nunca fue tan apropiado admitir que un nuevo visionado siempre es conveniente para comprender mejor un film, y tampoco es excesivamente osado vaticinar que Synecdoche, New York será un estrepitoso descalabro comercial. Que se convertirá en una nueva película de culto sí que es una convicción personal algo más ciega y arriesgada que el tiempo ratificará o desechará en un futuro no muy lejano.

Espinosa, ahora director.

2008-08-29T08:51:00.000-07:00

En su ópera prima, el guionista catalán Albert Espinosa, apuesta por el humor blanco y los buenos sentimientos para encarar un tema tan sumamente delicado como el de la discapacidad. Espinosa, pese a sus innegables buenas intenciones (no olvidemos que él mismo padece una disminución a causa un cáncer sufrido en la infancia), resbala en su intención de aunar reflexión y comedia. En su faceta reflexiva, el filme resulta demasiado pueril y poco esclarecedor como para dejarnos huella; por su parte, en su vertiente cómica, y salvo algún destello, No me pidas que te bese…reitera en demasía el chiste grueso y, para qué negarlo, de escasa gracia (la palabra "paja" es sin duda la que aparece con más frecuencia y fruición a lo largo de la película). Si a esto le sumamos una buena dosis de sensiblería demasiado forzada y un protagonista con síndrome de Peter Pan que resulta desesperante por su falta de resolución, llegaremos a la conclusión de que sólo la inédita faceta de Espinosa como actor (secundario) sorprende positivamente dentro de un producto fallido. Un producto que bien podría haber emulado una pizca a películas como Las llaves de casa, ¿A quien ama Gilbert Grape? o Bailo por dentro para exponer algo verdaderamente interesante sobre la discapacidad y todo aquello que la envuelve.

2008-05-01T03:45:00.000-07:00

El surcoreano Kim Ki-Duk, genial autor de varios filmes de un inusitado e hipnótico lirismo, volvió a obsequiarnos a principios del 2006 con una nueva película tan cargada de crueldad como de belleza poética. Con El arco, Ki-Duk regresa a territorios, contextuales y temáticos, ya transitados antes por él. Al igual que su filmografía anterior, El arco es una pieza plagada de imágenes sugestivas y poderosas, y marcada por la parquedad verbal y los silencios; como en Primavera, verano… y La isla, el nuevo film de Kim Ki-Duk se desarrolla en un espacio único, flotante, y rodeado de agua, en este caso un barco pesquero. El único problema reside en el hecho de que El arco, una desgarradora historia de amor entre un viejo pescador y una bella adolescente, reitera estas formas minimalistas, depauperándolas, sin aportar mejora alguna ni añadir elementos nuevos, haciendo de ella un compendio autoimitativo de aquellas películas de Ki-Duk que tanto nos fascinaron.

Algunos días en Septiembre. Poco antes del 11S.

2008-03-08T13:30:00.000-08:00

Tragedia de espionaje. Triller intimista. Intriga de vocación autoral… Definir con exactitud la ópera prima de Santiago Amigorena, guionista argentino afincado en Francia desde hace ya algunos años (y de quien se comenta está viviendo una relación afectiva con la Binoche), puede ser una tarea harto compleja y de resultado incierto y/o poco convincente.
Primero, porque, por mucho que el director haya mentado a James Bond y El tercer hombre como referentes ineludibles, como aventura de espías a la película le faltan la acción y la tensión narrativa propias de dicho género. Segundo, porque, como obra de tesis y trabajo de autor, Algunos días en Septiembre es una película de postulados demasiado inconcretos como para ganarse ese calificativo.
Que algo más allá de la mera intriga se nos quiere explicar parece estar claro, y su propuesta estética está deliberadamente encaminada a ello: los constantes fondos desenfocados y sin profundidad de campo hacen referencia a la miopía y falta de perspectiva de los personajes ante los dramáticos acontecimientos que se avecinan, los atentados del 11 de Septiembre de 2001. Más allá de eso, todo resulta demasiado latente y pretencioso como para despertarnos verdadero interés o admiración. Una lástima, si tenemos en cuenta que recientemente Spike Lee, en Plan oculto, sí que consiguió aunar entretenimiento y reflexión política sin que ninguna de estas dos facetas se resintiera.
Para el recuerdo su deslumbrante reparto, en especial el actor John Turturro, en la piel de un personaje similar a los que pueblan las películas de los Coen: un implacable sicario en permanente contacto telefónico con su psicoanalista.

VAMPIROS EN ALASKA.

2008-02-08T14:41:00.000-08:00

Ni sus inmejorables credenciales (producción de Sam Raimi y segundo film del director de Hard Candy), ni su notable factura técnica (ambientación gélida muy conseguida, buenos efectos sonoros y digitales, importante labor de maquillaje), ni tan siquiera la estimable ejecución de David Slade, que combina de manera interesante la explicitud más gore con el fuera de campo, salvan a 30 días de oscuridad de la decepción. Un poco preciso guión acaba imponiéndose a todos los atractivos antes señalados. Y es que los 30 días de asedio a que son sometidos los escasos supervivientes de Barrow (Alaska) por parte de un grupo de salvajes vampiros, no están bien puntuados ni definidos en ningún momento de la película: las elipsis no saben ponderar adecuadamente el transcurso del tiempo, la mella que el paso de los días debiera imponer en los acorralados no queda convenientemente reflejada (ni psicológica, ni físicamente) y, por último, la incapacidad de los vampiros (que, no lo olvidemos, huelen la sangre a kilómetros de distancia) para encontrar a su víctimas resulta, cuando menos, extraña, por no decir inverosímil. Seguramente, si los chupasangres hubieran sido algo más avispados y el periodo en que sucede el relato reducido a un par o 3 días, éste hubiera resultado muchísimo más efectivo y creíble, aunque estas decisiones posiblemente hubiera supuesto también una licencia demasiado inadmisible para los fans de la fuente original, un cómic homónimo obra de Steve Niles y Ben Templesmith.

13 Tzameti. Sólo puede quedar uno

2008-02-02T02:10:00.001-08:00

Sébastien es un joven huraño que lleva, junto a su familia, una vida gris y llena de penurias económicas. Mientras trabaja reparando el techo de una casa, su propietario, poco después de haber recibido una extraña convocatoria que supuestamente le hará ganar mucho dinero, muere de una sobredosis de morfina. Sébastien recupera el sobre convocante y decide presentarse a la cita en lugar del difunto. Las instrucciones que contienen la misiva le llevarán a un apartado y destartalado caserón donde se celebra una gran timba de ruleta rusa con decenas de apostantes. El superviviente de tan macabra partida conseguirá una cuantiosa suma. De los trece participantes (tzameti significa trece en lengua georgiana), Sébastien es el decimotercero. Sólo podrá quedar uno.
Película-debut del director de origen georgiano Géla Babluani, 13 Tzameti fue toda una sensación en la pasada edición del Festival de Sitges, pues, aunque no se trata de una película de corte fantástico ni por asomo –en lo genérico nos hallamos ante un thriller minimalista algo pasado de rosca, y en lo estético ante una propuesta en B/N de realismo lúgubre-, la seca e incontenida violencia que transmiten algunas de sus imágenes hicieron, sin llegar a los niveles del gore, las delicias de los amantes de la explicitud y exceso de hemoglobina. Aunque no sólo por eso destaca 13 Tzameti, pues la dureza y el frenético desespero que el relato de tan macabro juego transmite no se quedan en el simple tiro a bocajarro. Como en El Cazador de Michael Cimino, cada ronda es disputada al límite de la locura por un número menguante de participantes, perdedores natos que, pese a temer a la muerte, poco tienen por lo que luchar en vida. Mediante una hábil y equilibrada dirección, tan expresiva como seca, tan sórdida y austera como sosegada, esta desesperación cala también en los huesos del espectador desde el primer fotograma, produciendo la inquietante y permanente sensación de que la tragedia se cierne de manera inexorable sobre su protagonista, interpretado por el hermano del director.
La cosa parece bastante unánime: Premiada en el Festival de Venecia con el galardón a la mejor dirección novel, y en Sundance con el gran premio del jurado, 13 Tzameti transmite ahogo a todo aquel que la ve. Hollywood, en otro ejercicio de captación derivado de su atrofia imaginativa, se ha hecho eco de tan grata revelación y ya prepara un remake. Esperemos que la presencia en el proyecto del mismo Géla Babluani como director garantice la pervivencia de las virtudes de la versión original.

Secretos y mentiras. Mike Leigh y su cine.

2008-01-29T12:57:00.000-08:00

Merecidamente reconocida en el 96 con la Palma de oro y con 4 nominaciones a los Oscar, Secretos y mentiras es hasta la fecha la obra cumbre de Mike Leigh. Leigh es un cineasta comprometido, un referente ineludible del llamado cine social inglés, un realizador tendente a retratar las visicitudes de las familias proletarias británicas, hallándose a medio camino entre Ken Loach y Stephen Frears, eludiendo la militancia proselitista del primero y la comicidad optimista del segundo. La película, de una emotividad desgarradora, plantea un argumento bastante simple que sirve de excusa para exponer las complejas frustraciones personales de cada unos de los personajes, conduciéndolos con habilidad hacia un desenlace liberador, en el que serán inevitables tanto las confesiones (de esos secretos y esas mentiras a las que el título se refiere) como los llantos.

2008-01-29T12:40:00.000-08:00

The jacket, cuyo título hace referencia a la camisa de fuerza con la que se inmoviliza al protagonista, es una interesante cinta de intriga psicológica producida por Steven Soderbergh. Muy influida por películas como La Jetée, 12 monos, Memento o La escalera de Jacob, el segundo largometraje de John Maybury ahonda en la manida pero inagotable fantasía de los viajes (en este caso mentales) a través del tiempo. En la atmósfera claustrofóbica, desasosegante y casi surrealista de un sanatorio mental, las paradojas temporales y los bucles narrativos en la cuarta dimensión harán acto de presencia para apuntalar un relato complejo pero imaginativo, inquietante y bien construido. Lástima que un final algo ñoño, propio de un cuento de hadas y nada acorde al tono general del filme, acabe convirtiendo la intriga antes descrita en un extraño canto a la vida, al amor y a las segundas oportunidades.

Dead man. Western metafísico.

2008-01-24T14:52:00.000-08:00

Hipnótico relato con aire de leyenda popular, mezcla de western onírico y de viaje místico. Mediante una cuidada fotografía en blanco y negro, una música minimalista a cargo del folkman canadiense Neil Young, un agradable ritmo narrativo pausado y silencioso, y unas gotas de fino humor surrealista, Jim Jarmusch, referente ineludible del cine independiente americano actual, consigue transportarnos a un mundo extrañamente mágico y parsimoniosamente violento, y hacernos alucinados testigos de un periplo íntimo, interior, tan ininteligible como fascinante. Dignas de resaltar son también las apariciones estelares de Robert Mitchum, Iggy Pop y Billy Bob Thornton, que aportan consistencia al rico elenco de personajes secundarios que posee la película.

Plan oculto. Tarde de perros post 11S.

2008-01-24T14:42:00.000-08:00

El cine estadounidense de los años 70 nos brindó la oportunidad de disfrutar de un buen número de dinámicos thrillers que se caracterizaron por contener, tras una trama policial aparentemente “inocua”, una velada crítica, en ocasiones no tan interlineada, a la corrupción policial, judicial y política de las urbes norteamericanas de aquella época. Don Siegel, William Friedkin, John Frankenheimer, o Sydney Lumet son algunos de los cineastas que deben figurar con letras de oro dentro de este apartado concreto del cine de policías y ladrones, y The French Connection, Tarde de Perros, Serpico y Harry, el Sucio, son algunas de las películas referenciales que dicha etapa nos legó. Esto es un hecho que conviene ser recalcado, porque Spike Lee ha realizado Plan Oculto con los ojos puestos en aquellas películas, con la clara voluntad de homenajearlas, tratando así de repetir la fórmula de “denuncia+espectáculo” que tan buenos resultados cosechó antaño. A tenor de lo visto, sólo cabe admitir que Lee lo ha hecho de manera más que aplicada, brillante. Cierto es que ha renunciado a las temáticas de conflicto racial que le caracterizan, que ha rebajado su trascendencia y contundencia discursiva, y que ha exiliado por completo al drama de la historia, pero no menos cierto es que en Plan Oculto el cineasta afroamericano ha ganado en sutileza y espectacularidad. En el marco de una agitada historia de un hurto a mano armada de alta orfebrería, se desarrolla una adictiva relación antagónica entre Denzel Washington y Clive Owen. A esta primera línea narrativa hemos de superponer la historia genérica de hipocresía, suspicacias, arribismo e intereses soterrados que marca el tempo moral de la cinta. Narrada linealmente a un ritmo trepidante y con algunos esclarecedores flashforwards, Plan Oculto sirve también como excusa para reflejar el clima multirracial del crisol neoyorquino, y sobretodo para dar fe de la situación de miedo y esquizofrenia colectiva que vive la sociedad estadounidense tras los atentados del 11 de Septiembre del 2001. Todos ellos parecen argumentos de peso que demuestran que la última película de Spike Lee no es tan sólo un mero y frívolo producto de industria, sino más bien una obra políticamente comprometida a la par que digerible para el gran público. Interpretada por un elenco de lujo que da vida a un grupo de personajes muy carismáticos, y a pesar de algunas lagunas de guión en favor del “entertainment”, sólo me resta concluir diciendo que Plan Oculto es una gran película que no lo tiene todo, pero sí casi todo.

X-MEN 3. Ratner da la talla.

2008-01-18T12:27:00.000-08:00

Cuando Bryan Singer anunció a las puertas de iniciarse el rodaje de la tercera parte de X-Men, que abandonaba la franquicia mutante de la factoría Marvel para dirigir Superman returns, muchos fuimos los que temimos lo peor. La situación planteada con la deserción del amigo Singer al bando adversario no era precisamente halagüeña, pues el buen hacer del director de Sospechosos habituales parecía irreemplazable y nada presagiaba que Brett Ratner, un director cuya trayectoria (Hora punta, Family Man, Dragón rojo) no pasaba de la mera corrección formal, fuera capaz de sustituir a Singer con la máxima solvencia. Sin nada que incitara a la euforia, el miedo a que el tercer episodio de la saga desmereciera a los 2 anteriores fue cobrando forma a pasos agigantados. Una vez estrenada X-Men 3: La decisión final, las voces más agoreras se silenciaron y las previsiones más pesimistas se esfumaron repentinamente por un motivo tan simple como inapelable: X-Men 3 es una cinta notable que poco tiene que envidiar a sus dos partes precedentes, una película que merece el reconocimiento de que nos hallamos ante un cierre más que digno para una de las sagas que, para deleite de los/as aficionados/as, mejor ha sabido adaptar un cómic de superhéroes al celuloide. Ratner no ha aportado una visión particular ni ningún planteamiento personal, sino que ha apostado claramente por la opción continuista, y imitando con maestría el buen pulso narrativo de Singer, así como su dinámica resolución de las escenas de acción, se ha reivindicado como un experimentado artesano. El fruto de este proceder, tan práctico como eficiente, ha sido un largometraje altamente entretenido que reedita esa curiosa mixtura entre espectacularidad visual y una suerte de reflexión para todos los públicos acerca de la marginación, la tolerancia y el racismo. Dicho esto, y visto el buen sabor de boca que las tres piezas han dejado, sólo nos queda lamentarnos por el que parece el final definitivo de la saga, aunque, bien mirado, a veces conviene no exprimir demasiado el limón, no vaya a ser que no quede jugo…

El asesinato de Richard Nixon. Quiero la cabeza del presidente.

2008-01-15T09:12:00.000-08:00

En contra de lo que su equívoco y -¿Por qué no admitirlo?- sensacionalista título pueda dar a entender, no nos encontramos ante un thriller político; El asesinato de Richard Nixon, primer largometraje del estadounidense Neils Mueller, no es un film conspirativo, y poco tiene que ver con películas como J.F.K o La tapadera. Magnicidio haylo, pero su presencia responde más al delirio paranoide de su amargado protagonista que a un verdadero complot sedicioso. Lo que acontece, en lo que a acción narrativa se refiere, es más bien poco: el descenso a los infiernos de un ciudadano medio que, plenamente frustrado y ninguneado por todos, irá llenándose de desazón y de ira, encauzándolas hacia el presidente de su país, Richard Nixon, también conocido como Tricky Dick (Tramposo Dick), omnipotente mandatario al que considerará el máximo responsable de todas sus desgracias personales y de las de la humanidad en general. Nos hallamos, pues, ante una esplendida construcción de un personaje extremo, magistralmente interpretado por Sean Penn, para cuyo desarrollo Mueller se basó en Sam Byck, un sujeto real que tramó asesinar a Richard Nixon en 1974 y que también sirvió de inspiración a Martin Scorsese a la hora de realizar Taxi Driver. La historia se desarrolla en los convulsos años 70 (Watergate, las panteras negras, la guerra del Vietnam), por lo que la crítica política -que también la hay- se debe más a motivos circunstanciales y de contexto que a una manifiesta voluntad de denuncia. Y es que individuos como Sam Bicke, entendiéndolo como la personificación de la ira ante una sociedad cruel regida únicamente por la competitividad, el dinero y la mentira, los habido, los hay, y los habrá en cualquier momento y lugar: en la América de Nixon, la Italia de Berlusconi y en la España de Aznar.

De la Iglesia y los pechos de Doña Leonor.

2008-01-12T00:34:00.000-08:00

Alex de la Iglesia posee la virtud de ser uno de los primeros directores que, distanciándose del politizado cine que se hacía durante la Transición y de las infames comedias ochenteras, comenzó a realizar en nuestro país películas de género cón éxito y de forma más que desenvuelta. A este tipo de cine popular, de la Iglesia supo además insuflarle una visión esperpéntica muy particular que dotó a sus filmes de una personalidad fuera de toda duda. Con de la Iglesia, la ciencia ficción (Acción mutante), el terror (El día de la bestia), el western (800 balas) y el thriller (La comunidad) quedaron teñidos por algo tan hispano como es el grotesco elemento valleinclanesco. Al salir de nuestras fronteras, rodar en inglés y apostar por actores extranjeros, el director español ha arrancado de raíz toda posibilidad de que su particular mirada grotesca haga acto de presencia en su nueva película, una intriga convencional que, pese a mostrarnos algún movimiento de cámara meritorio, no destaca en ningún aspecto. En Los crímenes de Oxford todo está demasiado manido: escalada de crímenes, whodunit, investigación policial que resigue un sendero de pistas matemáticas dejadas por el asesino, giros y contragiros, y resolución pretendidamente sorpresiva. De entre toda esta batería de tópicos, lo mejor y más original es cómo de la Iglesia vacila con el espectador masculino a la hora de mostrar (o no) los pechos de la Watling.

XXY. El síndrome de Klinefelter.

2008-01-11T14:33:00.000-08:00

Según las normas genéticas más elementales, los hombres poseen los cromosomas XY, y las mujeres los XX. En el síndrome de Klinefelter se presentan los cromosomas XXY, que son los que determinan la ambigüedad sexual (o hermafroditismo) del sujeto en cuestión. Algo tan sencillo de explicar como esto (apenas 2 líneas) y los inconvenientes emocionales que conlleva a los afectados, en la película de la argentina Lucía Puenzo se torna casi inenarrable, más por omisión que por ineptitud de la realizadora. Inicialmente, el planteamiento de XXY se teje de manera poco hábil; retardando, mediante diálogos incompletos e imágenes de un pretendido lirismo, la revelación de la trama. A la postre, esta demora y alargamiento encuentran su justificación en el hecho inapelable de que el verdadero meollo no hubiera dado para los 90 minutos que dura el film, no en vano éste está inspirado es un relato corto de Sergio Bizzio llamado "Cinismo". Si a esto le añadimos el amago escabroso que adopta la película en su último tercio, llegaremos a la conclusión de que XXY es otra de las beneficiadas de los buenos ojos con que en España, gracias al merecido éxito cosechado por 9 reinas y El hijo de la novia, todavía contemplamos al nuevo cine argentino.

Rififi, el robo más grande jamás contado

2008-01-07T22:20:00.000-08:00

La palabra francesa rififi significa rifirrafe, riff raff en inglés, refriega, pelea barriobajera a cara de perro, tangana de ratero... Un acertado y metafórico título para una película que esencialmente trata sobre eso, sobre cómo la carne de cañón, con el signo del fracaso escrito en la cara, lucha como gato panza arriba en su rutina delictiva. Clásico indiscutible del género noir, Rififi contiene todos los elementos, tan identificativos como imprecisos, que caracterizan al cine negro: hampa, realismo, reflexión social, mujeres fáciles pero de fatales consecuencias, claroscuros… Aunque el ingrediente por el que Rififi se ha convertido en modelo y referente ha sido sin duda la escena del robo, más de media hora que muestra hipnóticamente cómo la cuadrilla de hampones protagonista ejecuta un grandioso hurto en una joyería, en completo silencio, sin música, sin diálogos... creedme, no resulta exagerado decir que sólo por esta escena merece la pena ver la película.

LOVE IS IN THE AIR

2008-01-05T10:56:00.000-08:00

Ya sé que no invento la pólvora si digo que mi buena amiga Isabel es una mujer de una fotogenia fuera de toda duda (Mari Ángeles, otra colega de incuestionable belleza, autora de la presente foto, está preparando una tesis completa acerca de la belleza isabelina que promete hacer las delicias de eruditos y catedráticos sobre estética); tampoco descubro la sopa de ajo al afirmar que a Isabelita le sientan bien hasta los kilos de más (esta cita me la apropio, aunque salió de la boca de un admirador confeso de Doña Isa cuyo nombre no voy a revelar). Dicho esto, debo advertir que el interés de esta fotografía no radica pues en algo por todos asumido, sino en el excepcional hecho de que un sujeto como yo, de rostro hosco y patilludo, y mirada libidinosa, pueda aparecer en la instantánea con gesto amable y agradable, en sintonía con las virtudes de mi partenaire. Realmente (y modestia aparte), la foto en cuestión destila amor y desparpajo en cada uno de sus píxels, y parece literalmente extraída de la campaña publicitaria de un perfume sofisticado o de un catálogo de diseño del más alto copete. Y es que ya lo dice la frase: "Tanto monta, monta tanto, Isabel como Fernando", lo cual no significa (aviso a los malpensados y suspicaces) que ella me monte a mi, ni que yo la monte a ella, ni tan siquiera que nos lo montemos juntos o revueltos, sólo significa que quiero mucho a la niña cerdanyolense que aparece aquí arriba, la titi mas guapa de Vallés, la matagarrulos (los acostumbra a matar a polvos, aunque también los suele matar de inanición), la friki más hermosota de todo el festival de Sitges, mi coleguilla y ojito derecho. Este es mi regalo de reyes, titi, un comentario al pie de la mejor foto que te han hecho nunca. ;p

Bryan Singer. De Marvel a D.C.

2008-01-05T10:44:00.000-08:00

El regreso a la gran pantalla del hombre de acero ha traído consigo otro esperado retorno, el de Bryan Singer, director estadounidense que, tras haber trasladado al celuloide la saga de los X-Men, se ha perfilado, junto a Tim Burton y Sam Raimi, como uno de los mejores directores de cine sobre superhéroes .

Nacido en Nueva York el 17 de septiembre de 1965, el realizador Bryan Singer creció en Nueva Jersey y realizó sus estudios de Dirección Cinematográfica en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, y después en la Escuela de Cine y Televisión de la Universidad del Sur de California (Los Ángeles). Tras graduarse dirigió el corto Lion’s Den, y en 1993 dirigió el largometraje Public Access, con el que ganó el gran premio del jurado del Festival de Sundance. En 1995 realizó la película que le lanzaría definitivamente al estrellato y con la que se ganó las simpatías de crítica y público: Sospechosos habituales, una densa y apabullante intriga que, pese a sus trampas de guión, renovó el cine negro actual y ganó varios premios Bafta, así como los Oscars al mejor guión original y al mejor actor secundario (Kevin Spacey). Tras dirigir Verano de corrupción, película de intriga basada en una novela de Stephen King que habla sobre la fascinación que la parafernalia nazi puede ejercer sobre los adolescentes, Singer se acercó a la Marvel para dirigir X-Men, pero debido a que no era fan de los cómics y desconocía a los personajes rechazó inicialmente la oferta; un amigo, gran fan de la saga de los mutantes, le convenció para que no dejara escapar la oportunidad, y tras leer los cómics y familiarizarse con los personajes, Singer aceptó el reto. Criado en un hogar judío, y declaradamente homosexual, Bryan Singer supo captar en ambas partes de la saga X-Men el trasfondo antirracista y la beligerancia contra la marginación que exhala la fuente original. A mediados del 2004, en plenas negociaciones para ocuparse de X-Men 3, le llegó la oportunidad de dirigir Superman returns. Tal y como confesó el director: “Fue una decisión extremadamente difícil para mí, porque pasé 6 años en el universo de los X-Men. Estoy orgulloso de los filmes y el trabajo que hice con el equipo y los actores, lo que sucede es que crecí como un gran fanático de Superman, desde chico con la serie de televisión de George Reeves, hasta el filme de Richard Donner”. Dejar Marvel para engrosar la nómina de la factoría D.C y a la inversa, constituía hasta entonces un cambio de rumbo profesional en el que sólo se veían implicados dibujantes y guionistas de cómic. B. Singer, con el abandono de la franquicia mutante para dirigir Superman returns, ha sentado precedente, y ostenta el “honor” de ser el primer cineasta que renuncia a una de las “majors” del cómic estadounidense para irse a la competencia; este hecho es una muestra significativa (una más) de la creciente y mutua permeabilidad entre el cómic y cine.

Soy leyenda. Siempre nos quedará la Fe.

2008-01-02T10:23:00.000-08:00

La primera hora de Soy leyenda, en la que se describen adecuadamente la rutina diaria y el sentimiento de soledad que acompañan al personaje interpretado por Will Smith en un desolado Nueva York, tiene la virtud de generar en el espectador una curiosidad sostenida. La cosa empieza a aflojar cuando los efectos digitales toman las riendas de la narración y la conducen hacia una convencional historia de acción postapocalíptica. Con todo, este segundo segmento aguanta el tipo gracias a la buena resolución y el alto voltaje de sus escenas más adrenalíniticas. Lo verdaderamente irrescatable del filme es el peligroso mensaje final que desprende la historia: cuando la ciencia falla, siempre nos queda la Fe. Resbaladizo eslogan en una sociedad -los actuales EEUU- en la que el puritanismo creacionista está en alza.

Spoiler:Con respecto al nefasto mensaje pseudorreligioso, es muy revelador el sonido final de las campanas de una iglesia que se escucha cuando dos de los personajes llegan a la única comunidad superviviente.

American Gangster, contra el imperio de la droga.

2007-12-29T11:00:00.000-08:00

La última película del irregular Ridley Scott (cineasta capaz de obras tan imprescindibles como Alien o Blade Runner, y de engendros propagandísticos de la talla de Black Hawk derribado) constituye un magnífico ejemplo de lo que en Cine debe ser la narración en paralelo. Mediante la magia del montaje, American Gangster nos expone dos historias, la de Frank Lucas y la de Richie Roberts, condenadas a concatenar en algún punto indeterminado. Lucas es un mafioso afroamericano hecho a sí mismo que posee un extraño halo de prudencia e integridad; Roberts, un policía tan tenaz como incorruptible con algún que otro problema doméstico. Ambos son 2 personajes inmensos con un riquísimo background y un arco evolutivo dignos del mayor interés, a lo que contribuye sin duda alguna el buen hacer actoral de 2 intérpretes sacados de su "ámbito natural”: por un lado, D. Washington aparca su rol de buenazo para dar vida a un implacable mafioso; por otro, Crowe se desenvuelve con buena nota como avispado agente de la ley, lejos del primitivismo de los personajes que le encumbraron. Lo que parece destinado a un choque de trenes fruto de la típica y tópica relación antagónica, termina por ser un acoplamiento perfecto en el que el enemigo a batir resulta algo mucho más impersonal: la corrupción ejercida desde los ámbitos de la policía de NY y del ejército de los EEUU. Opuesto al atropellado estilo expositivo de Infiltrados, este parejo discurrir y posterior encaje sucede de forma fluida, certera y elegante, haciendo de los casi 160 minutos de la película un espectáculo narrativo de primer orden.
Basada en hechos reales, American Gangster reconstruye a la perfección los ambientes neoyorquinos del Nueva York de principios de los 70 –al respecto la colección de canciones de época elegida es impresionante-, y no sólo nos habla de vendettas y tramas policiales, no. La geopolítica, en forma de tráfico de heroína durante la guerra del Vietnam, y la sociología, en forma de autoafirmación afro, también hacen acto de presencia, y no de manera precisamente testimonial. ¿Qué los referentes son muchos y perfectamente identificables? Obvio. French Connection, la saga de El Padrino, Los intocables, Scarface, Serpico… Aunque no menos claro es que otros recurrieron a esos mismos referentes sin gracia ni estilo alguno, así que ando en lo cierto si digo que ésta es la mejor película de Ridley Scott desde Thelma & Louise. Un único pero: extrañamente, el estamento militar resulta menos deteriorado de lo que se apuntaba en el desarrollo, ¿Cosas de Pentágono?...

Los Simpson, sociología en estado puro.

2007-12-28T02:09:00.001-08:00

Los Simpson es una telecomedia de animación estadounidense creada por Matt Groening en 1989 para la cadena Fox. Actualmente, tras 17 años ininterrumpidos de emisión (que equivalen a 19 temporadas, 418 episodios de poco más de 20 minutos cada uno, y 21 premios Emmy), la serie sigue emitiéndose de forma exitosa en numerosos países. Muy influida por Los Picapiedra y la sitcom Matrimonio con hijos (teleseries a las que ha rendido homenaje en algún episodio), Los Simpson ha sido también referente ineludible de otras series posteriores como South Park, Futurama, Padre de familia y American dad.
Como su propio título indica, Los Simpson se ocupa de las aventuras y desventuras de la familia Simpson, compuesta por el matrimonio que forman Homer y Marge, y por sus tres hijos: Bart, Lisa y Maggie. Además de estos 5 personajes principales, Los Simpson posee un nutrido y dispar elenco de personajes secundarios que le aportan gran diversidad argumental y una estructura netamente coral, por lo que podríamos decir que el verdadero protagonista de la telecomedia es la localidad en la que se desarrolla, Springfield, una imaginaria ciudad de provincias situada en un lugar indeterminado de los EEUU.
Aunque existen decenas de pueblos y ciudades a lo largo de EEUU con ese nombre, Springfield es una ciudad ficticia. Es precisamente la asiduidad de este topónimo la que refuerza la idea de que la ciudad en la que viven los Simpson constituye un espejo paródico de la sociedad estadounidense. La elección del apellido Simpson tampoco es casual y está encaminada en este mismo sentido representativo, pues también se trata de un nombre bastante común en aquel país (su marcada presencia podría equivaler aquí a la de Rodríguez o Gómez).
Los Simpson son la representación hiperbólica de la familia media estadounidense. Homer Simpson representa al cabeza de familia primitivo y egoísta, hastiado de su trabajo y de inquietudes culturales más bien limitadas, por no decir nulas. El consumo de cerveza, la comida ultracalórica y poco elaborada, y las horas muertas frente al televisor constituyen las únicas motivaciones de este ser adocenado que, pese a sus muchos y desagradables defectos, es capaz de despertar cierto encanto en el espectador. Marge, por su parte, representa a la típica madre de familia dedicada a "sus labores". Dependiente económica y afectivamente de su marido, y condicionada por sus hijos, Marge es la imagen de la mujer sacrificada (y frustrada) que ha renunciado a su independencia a cambio de ocuparse de los suyos, esta ocupación no es demasiado valorada por nadie, cosa que simboliza el papel secundario y supeditado a que la sociedad estadounidense ha relegado al sexo femenino. Bart, el hijo mayor, es la personificación del fracaso del sistema educativo norteamericano, amén de la repetición por mímesis de los valores adultos (los de su padre) más despreciables de nuestra sociedad. Lisa, por contra, es el contrapunto a tanta mediocridad, pues sus valores ecologistas y solidarios, así como sus inquietudes culturales e intelectuales, contrastan marcadamente con el desinterés acrítico de la familia. Pese a ello, la hija mediana de los Simpson, simboliza la incomprensión y marginalidad que estas actitudes minoritarias padecen en los EEUU. Por último, Maggie, de apenas unos meses, es un personaje totalmente indefinido, ni habla, ni anda, y su papel en la serie en muchas ocasiones es de mero comparsa. Esta indefinición, que inicialmente podría ser achacable a un desinterés o dejadez por parte de los creadores, es más buscada de lo que parece, pues Maggie es la incógnita generacional, la esperanza en el futuro: ¿Cuando crezca, reproducirá Maggie los patrones de comportamiento que observa?.
El rico elenco de secundarios que posee la serie permite ir muchísimo más allá de lo que ofrecen sus 5 personajes principales. Abe Simpson, el padre de Homer, es el claro reflejo del "molesto" rol que la sociedad norteamericana atribuye a la tercera edad. Patty y Selma, las dos hermanas mayores de Marge, son dos mujeres cuya soltería las convierte en la representación de la feminidad frustrada. Ned Flanders, el vecino de los Simpson, sirve para parodiar a las familias evangelistas, de influencia creciente en los EEUU. Y las relaciones de Homer con éste son una exageración de las envidias que en buena parte rigen las relaciones vecinales en las ciudades de provincia. Por último, los personajes de la central nuclear en la que H. Simpson trabaja dan buena muestra de lo que son actualmente las relaciones laborales en los Estados Unidos: sindicación inexistente, profesionalidad nula y una exigua tabla de derechos laborales marcada por el despido libre.
Es innegable que la serie creada por M. Groening posee un marcado y explícito tono crítico, aunque no menos cierto es que sus creadores han tratado siempre de mimar a todos y cada uno de sus personajes. Lejos del escarnio despiadado, el retrato que de éstos se hace siempre despierta una sensación de cariño en el espectador. Este característico encanto que desprenden los personajes se debe sin duda a una mirada por parte de sus responsables parcialmente complaciente -condescendiente si se quiere-, que en nada enturbia la calidad que posee la serie, posiblemente una de las más exitosas e influyentes de la historia de la televisión.

Solo ante el peligro... solo contra todos.

2007-12-25T01:39:00.000-08:00

Inolvidable película y western clásico por excelencia. Narrada a tiempo real con magistral tensión y creciente interés, Solo ante el peligro es la historia de un hombre íntegro que, más que a un grupo de pistoleros, deberá de hacer frente, solo, triste y perplejo, a la mendacidad, la ruindad y la cobardía de su propia comunidad. Tras esta historia de valor, honradez y dignidad, encontramos una crítica mordaz a la caza de brujas anticomunista que el senador republicano Joseph Raymond McCarthy llevó a cabo en los EEUU en la década de los 50. En aquel entonces, como ocurre en la mezquina ciudad del Sheriff Will, muchos intelectuales, entre ellos algunos cineastas, delataron o dieron la espalda a algunos compañeros que estaban siendo víctimas de la persecución. Elocuente parábola, sin duda.

Dale papito!!!!!!

2007-12-24T01:59:00.000-08:00

Entre el gran número de usos inútiles que los fabricantes han añadido a los aparatos de telefonía móvil, se encuentra sin ningún género de dudas -y para desgracia de la mayoría- la reproducción de música sin necesidad de auriculares. Dicho esto, resulta paradógico observar cómo, en algunas ocasiones, la accesibilidad a las nuevas tecnologías, lejos de civilizarnos, parece producir en algunos especímenes de nuestra sociedad el efecto contrario, la barbarización. Cuando el makarra de playa, aquel que en nuestras costas lucía bañador hortera y ponía su 'loro' a toda castaña con las últimas novedades de Los Chunguitos o el Spaghetti disco, se ha extinguido de la faz del planeta, comienza a proliferar en nuestro trasporte público un nuevo ser igual de molesto que aquella ya por suerte desaparecida subespecie. Se trata del garrulo de turno que, con orgullo y naturalidad, nos hace partícipes durante nuestros desplazamientos suburbanos del "disfrute" de la música (por llamarla de alguna manera) que escucha a través de su teléfono móvil. Así pues, comienza a ser demasiado habitual que durante el regreso a casa después de 8 interminables horas de trabajo, te topes con algún tarugo que te jode el trayecto sin el menor resquicio de vergüenza, machacándote la cabeza con el último hit Reggaetón que sale desde el pequeño altavoz de su aparato. Dado que estos individuos (e individuas) parecen no darse por aludidos ante las miradas reprobadoras y agobiados resoplidos que algunos de los damnificados les lanzamos, sólo me queda pedirles por favor que, ya que nos convierten en obligados oyentes de su cancioncillas, al menos incluyan en su limitado y horrendo repertorio algo de rock, jazz, blues o música clásica. Seguramente, esta concesión ennoblecerá su espíritu y hará de paso que la tortura que padecemos el resto sea algo más llevadera. Gracias.

1408. Cusack, King y la habitación del pánico.

2007-12-22T05:27:00.000-08:00

En esta ocasión, el actor John Cusack da vida a un descreido escritor que en sus libros se dedica a desacreditar los fenómenos paranormales. Un buen día recibe en su apartado de correos una postal que le reta a pasar la noche en la habitación 1408 del hotel Dolphin de Nueva York, de la que aseguran nadie ha salido vivo jamás. Con un estilo sobrio, cercano al telefilme, y un tono extrañamente malsano, la inquietante y paulatina presentación de la trama, así como el corto tête à tête interpretativo entre Cusack y Samuel L. Jackson -quien interpreta al gerente del hotel-, disparan unas expectativas que quedan enterradas en la hora posterior del filme. Una hora que constituye el cuerpo central de la historia, una hora narrada casi a tiempo real y que nos hace testigos del forzado cautiverio del protagonista en la habitación maldita. Este gran fragmento, inundado de efectismo sonoros y visuales mil veces utilizados en otras producciones del mismo género, dan muestra correctamente del sentimiento claustrofóbico, del estado alucinatorio del protagonista, de sus traumas y de sus fantasmas personales, convirtiendo tan extrema y terrorífica experiencia en una alegoría más que evidente de la pugna interna que nuestros miedos, fobias y frustraciones más intimas ejercen contra nuestra integridad emocional. El mimetismo que el filme del director sueco Mikael Håfström guarda con El Resplandor es obvio, no en vano ambas películas estan inspiradas en sendos relatos del novelista Stephen King, aunque no menos patente resulta que ni Jonh Cusack es Jack Nicholson, ni Håfström es Stanley Kubrick, por mucho que lo intenten.

¿Quién puede matar a un niño?, la mejor película española de terror.

2007-12-20T00:25:00.000-08:00

7 años después del éxito de La residencia, Chicho Ibáñez Serrador regresó a la gran pantalla con esta película, una nueva cinta de terror basada en una novela de Juan José Plans y que volvió a reventar las taquillas tanto aquí como en el extranjero. ¿Quién puede matar a un niño? se abre con 5 minutos de imágenes de archivo en las que se muestran a niños del tercer mundo padeciendo los rigores de la guerra y el hambre (Vietnam, Biafra...), lo que explicita el carácter vengativo de la horrorosa fábula que nos será narrada a renglón seguido. Muy influida por clásicos como El pueblo de los malditos y, en menor medida, por Los pájaros y La noche de los muertos vivientes, la película se convirtió inmediaramente en una obra de culto, gracias en parte a su impactante desenlace y a un novedoso planteamiento que opta por el terror diurno y que elude la oscuridad como manido elemento de tensión. Virtudes aparte, la película no ha soportado del todo bien el paso de los años, y es que algunos de sus pasajes resultan algo inverosímiles, y otros del todo reiterativos e inecesarios. Con todo, es seguramente la mejor película de terror que ha dado la cinematografía española, aunque recientemente Rec ha entrado en la liza por la conquista de este honor.

ENTREVISTA. NACHO CERDÀ: NUEVO VALOR DEL CINE DE TERROR

2007-12-17T10:06:00.000-08:00

Nos citamos a las 5 en el Salambó, literaria cafetería ubicada en el barrio barcelonés de Gracia, al lado de los cines Verdi Park. La tarde era oscura y lluviosa, adecuada para una interesante charla sobre cine fantástico, y Nacho Cerdà el interlocutor propicio para que así fuera. Barcelonés de 37 años, Cerdà ha visto como en los EEUU su primer largometraje, al que compara con el virus de la gripe (pues “se te mete dentro y se manifiesta 3 días después”), ha sido estrenado en casi 1000 salas, algo que no parece darle ningún vértigo.

Por fin se estrena en España Los abandonados. Es extraño que, siendo una producción nacional, haya sido estrenada antes en los EEUU.
Para mi es un honor, y la película es un producto destinado al mercado exterior. Sólo existe un caso previo, que es el de Amenábar con Los otros, aunque la mía es la primera ópera prima a la que le pasa esto.

Fue proyectada en unas 1000 salas
Sí, después de Los otros y Darkness es la película española que en más salas estadounidenses se ha exhibido. Como cinéfilo y mitómano fue un shock considerable.

¿Qué acogida ha tenido?
La considero una película poco convencional, y con ella no me proponía complacer a todo el mundo, por lo tanto ha provocado reacciones encontradas. Tuvo una muy buena crítica en “Variety”. Por otro lado, en los festivales de género la acogida ha sido positiva, aunque las reacciones más pasionales las he encontrado en la gente no aficionada al terror, esto indica que no es una película de terror convencional. Creo que la película no deja indiferente.

Después de tus tres cortos y de tu primer largometraje, todos ellos de terror. ¿Te consideras un autor de género?
Esa definición la dejo a los demás. Desde pequeño, gracias a Tiburón, he estado familiarizado con el cine de género. Fue tal el impacto que me produjo aquella película, que ahora como director intento reproducir inconscientemente aquella sensación en los demás.

¿Eres junto a Balagueró y Paco Plaza abanderado de la revitalización que el género está experimentando en España?
Yo considero que Alex de la Iglesia, aunque más festivo y paródico, fue el precursor de todo esto. Luego vino Balagueró con una línea más sórdida. Lo que está claro es que nuestra generación ha roto con el cine de la Transición, pues la vivimos de refilón. Hemos crecido con películas americanas de género, y eso se nota.

¿Estás abierto a otros géneros?
Totalmente. A mi me encanta el dramón. Visionar hace poco United 93 me hizo ver que lo más terrorífico puede estar en la más simple realidad, sin recurrir al gore o a la hemoglobina. Haneke es un claro ejemplo de ello.

¿Cuáles son tus influencias?
Carpenter y Walter Hill fueron los cineastas que me entraron más pasionalmente. El buen cine de acción me ha gustado siempre, y me ha influido a nivel narrativo y de montaje, Arma letal por ejemplo me parece una película extraordinaria. Después descubrí a Cronenberg. También me han gustado directores italianos como Lucio Fulci y Dario Argento.

¿Cómo definirías Los abandonados?
Es un viaje de una persona hacia el interior de su propia existencia, una pesadilla que no se ha de tomar de forma literal, todo lo que ocurre es una aproximación metafórica a la búsqueda de la propia identidad. Habla del abandono del pasado para, finalmente, afrontar el futuro.

¿Cómo surgió?
Partió de una idea de Karim Hussain, que quería hacer algo así como una película de terror en clave rusa, tarkovskiana. Luego entró Richard Stanley, que la reescribió adaptándola al presupuesto. Además algunas líneas narrativas tuvieron que ser eliminadas por motivos de metraje.

¿Cuáles son tus próximos proyectos?
Me gustaría retomar el proyecto de Oblivion, una película, postapocalíptica, rayana a la ciencia ficción, que requería de una logística más complicada.

G.W.B.: Caso cerrado.

2007-12-15T06:04:00.000-08:00

Nos hallamos ante una obra tan polémica e impactante, como apasionante y elaborada. Una propuesta novedosa que, desde la verídica perspectiva de un mockumentary (o falso documental) de investigación, nos plantea las implicaciones sociopolíticas que tendría el no tan descabellado magnicidio del actual presidente de los EEUU, George Bush.

La película de Gabriel Range, pese a la a veces integrista e inargumentada opinión de algunos críticos (no cito nombres), funciona a la perfección en sus tres facetas principales. Como falso documental, el verismo que destilan sus imágenes es tan creíble como cualquier reportaje de la CNN o de la BBC; como obra de tesis política, la analogía que se establece con los acontecimientos derivados del 11S es tan oportuna y acertada como cualquier disertación politológica del más alto nivel; y, por último, como thriller, el film desmadeja la intriga de forma progresiva, generando expectativas e interés que colma sobradamente con un dramático y esclarecedor desenlace. Todo esto, eludiendo el humor burdo al que se presta este tipo de propuestas basadas en la farsa documental (me viene a la memoria CSA). Créanme si les digo que Muerte de un presidente se trata del mejor falso documental desde Zelig.

Esa amante inoportuna que se llama Soledad.

2007-12-13T08:07:00.001-08:00

Una noche de invierno, un guardia jurado, una maestra de secundaria y una joven violonchelista que esperan un autobús urbano en una parada cualquiera, asisten atónitos al abandono de un pequeño perro en plena calle. No se conocen, y difícilmente sus vidas vuelvan a cruzarse. A partir de este encuentro anecdótico, de este intrascendente nexo, 53 días de invierno reseguirá la rutina diaria de estos tres personajes a lo largo de 53 jornadas, ahondará en la existencia de tres personas de a pie cuyas vidas están marcadas por la soledad y el mudo desespero.

Rodada en diferentes localizaciones de Barcelona, la segunda película de la catalana Judith Colell es un melodrama social, una historia coral y urbana sin apenas artificios. Según la directora: "Ésta es una película que habla de la soledad y la fragilidad de la vida. Sus tres personajes protagonistas están solos, tan solos como cualquiera de nosotros, y son frágiles, también como cualquiera de nosotros. No hace falta que pasen grandes cosas para que nuestras vidas se resquebrajen. A menudo, un pequeño e irrelevante detalle se convierte en el detonante que remueve nuestro mundo y hace que este se tambalee hasta el límite".

Aunque Colell afirma que en la producción de la película ha tenido como referentes 21 gramos y Amores perros, su estilo es deudor de cineastas autóctonos como León de Aranoa, Cesc Gay y Jaime Rosales, pues denota un dramatismo contenido, un intimismo conmovedor y una fuerte empatía con los personajes, unos personajes, dicho sea de paso, sobriamente interpretados por un reparto que sabe combinar equilibradamente veteranía y juventud.

Realismo futurista.

2007-12-13T07:36:00.000-08:00

Las novelas antitutópicas (o distópicas), aquellas que retratándonos una futura sociedad apocalíptica nos plantean serias y críticas reflexiones acerca de lo que nuestros errores del presente pueden acarrear en un porvenir no muy lejano, son y han sido una parte muy importante de la ciencia ficción, género literario injustamente devaluado debido a que en muchas ocasiones es asociado erróneamente -y casi en exclusividad- a superficiales aventuras interestelares trufadas de prodigios tecnológicos.
“1984”, “Eumeswil” y “Fahrenheit 451” son clásicos indiscutibles de la literatura universal que nos aportaron una visión desencantada de las 3 grandes utopías ideológicas del siglo XX -comunismo, fascismo y liberalismo, respectivamente-; “Un mundo feliz” hacía lo propio con la eugenesis; y películas como Mad Max y Akira propusieron espantosos colapsos posnucleares.
Basada en una novela homónima de P. D. James, escritora archiconocida fundamentalmente por sus obras policíacas, Hijos de los hombres, al igual que Blade Runner, THX 1138, Metrópolis o Gattaca, se encuadra en este tipo de historias desencantadas con el mañana, y dibuja un mundo inquietantemente próximo, muy similar al nuestro, en el que el ser humano se encuentra al borde de la extinción a causa de la esterilidad de la especie. El director mexicano Alfonso Cuarón nos traslada al año 2027, Reino Unido, y se vale de una agobiante intriga futurista, que gira en torno al alumbramiento de un ser humano tras 20 años sin partos, para, mediante un ejercicio moderado de la hipérbole anticipatoria, visualizar algunas de las preocupaciones más acuciantes de nuestra sociedad: los masivos flujos migratorios irregulares, las consiguientes políticas represivas y sus consecuencias, la evolución del activismo altermundialista, y la dialéctica terrorismo/antiterrorismo.
Lejos de la estética habitual de la mayoría de filmes de ciencia ficción, y en sintonía visual con otras excepciones dentro de el género como son Código 46 y Cuando el destino nos alcance, el último trabajo de Cuarón se decanta por la moderación en los efectos especiales, por una ambientación lúgubre y por el uso de la cámara al hombro, opciones que sin duda imprimen una alta dosis de realismo a la película, haciéndola más cercana al espectador y por ende más turbadora. Lástima que su fantasioso colofón, escogido con toda seguridad para aportar un hálito de esperanza a la narración, desentone con esa crudeza expositiva que hace de la película una obra de visionado casi obligado.

EL PRIMER UN-MAKING OFF DE LA HISTORIA

2007-12-10T14:49:00.000-08:00

En el año 2000 Terry Gillian se hizo con los servicios de los directores Keith Fulton y Louis Pepe para que rodaran el making off de la película en la que estaba trabajando en aquellos momentos, “El hombre que mató a Don Quijote”, una versión libre y postmoderna de la afamada novela de Cervantes.

La mala suerte y las incidencias se cebaron con la película de Gillian, hasta el punto de que ésta tuvo que ser suspendida a los 6 días de rodaje, por lo que, si nos atenemos a una lógica puramente comercial, la cancelación del rodaje de la película debería haber supuesto automáticamente la suspensión de su consiguiente making off, pero no sucedió así. El documental de Fulton y Pepe siguió adelante, se finalizó, y se convirtió en el testimonio de meses de trabajo y de ilusiones creativas que nunca llegaron a materializarse en una película.

Imprevisiblemente lo que inicialmente tenía que ser un making off, se trasformó en la crónica de un fracaso, diario audiovisual del derrumbe de una producción cinematográfica. Una propuesta temática atrevida, pues si bien los making off son documentales con una clara vocación promocional sobre la realización de un filme, “Lost in la Mancha” es la reivindicación de un “no filme”. Un documental sobre una película que nunca existió, y que hoy por hoy solo existe en la cabeza de Terry Gillian. Una vuelta de tuerca al género documental de los making off en la que algunos críticos han querido ver el primer “un-making off” de la historia del cine y producto pionero de, quizás, un nuevo subgénero documental.

Inicialmente, y durante buena parte de la película, “Lost in la Mancha” si que se desarrolla como un making off, no en vano era lo que pretendía ser. Recoge declaraciones del equipo técnico y de los actores, incorpora los storyboards de Gillian, muestra la lectura del guión y los ensayos, y da testimonio de los primeros días de rodaje. Pero la desgracia cae sobre la película, y una serie de acontecimientos desafortunados truncan el proyecto. Del desmantelamiento de la película y los sinsabores que esto provoca a su director, Terry Gillian, y sus colaboradores más allegados se hace eco el documental.

De una manera tragicómica, a la par que íntima, “Lost in la Mancha” relata como, una vez más, la frialdad de los números, el mecanicismo de la industria cinematográfica, y los imperativos económicos se acaban imponiendo a la emotividad creativa, que no entiende ni de números, ni de rentabilidades. Estableciéndose así un paralelismo metafórico del personaje literario a adaptar, Don Quijote, y el director de dicha adaptación cinematográfica, Terry Gillian, quien, al igual que el hidalgo cervantino, verá como sus sueños e ilusiones se desvanecen ante el envite de la cruda realidad. Los inversores, los aseguradores, y la falta de liquidez serán las aspas del particular molino que derribe a Gillian.

La vida secreta de los silencios

2007-12-10T11:50:00.000-08:00

Película de magistrales y convincentes interpretaciones que se desarrolla en un desolado contexto, una plataforma petrolífera, paraje ideal para el refugio de vidas desdichadas y huidizas. La vida secreta de las palabras, flamante (y merecida) triunfadora de los Goya 2005, es una película delicada, sensible y sugerente que versa sobre el poder regenerador del amor y la capacidad catártica de la comunicación, en concreto de las palabras. Así lo ratifica Sarah Polley en la escena en la que confiesa emotivamente la fuente de su penuria al sufrido personaje interpretado por Tim Robbins. Pero contrariamente a lo que su título anuncia y su escena final confirma, La vida secreta de las palabras cuenta mucho más por lo que calla que por lo que habla, y si bien hay que reconocer que la confesión final es efectista y lacrimógena a sobremanera, también hay que decir que contradice gran parte del discurso narrativo del que se vale Coixet durante buena parte de la película, un discurso intimista tan perfectamente inteligible como carente de expresión verbal. Al final, un torrente de sentidas palabras salidas de la boca de la protagonista nos confirman innecesariamente algo que ya sabíamos sobradamente por las magistrales miradas, silencios y gestos con que Polley nos había obsequiado a lo largo del film. A pesar de su título, a veces las palabras sobran.

El leñador, caperucita y el lobo.

2007-12-08T01:55:00.000-08:00

Vivimos en una época en la que el puritanismo está en alza, en la que conductas patológicas, delictivas y, sin duda, aborrecibles, como la pedofilia, están siendo utilizadas como excusa para imponer una moral sexual restrictiva. Es en este río revuelto, contexto de confusión y caldo de cultivo para el extremismo, en el que películas como El leñador cobran un redoblado valor discursivo e histórico. No caer en la truculencia para reflexionar de manera comedida y humana sobre la pederastia, es algo difícil en EEUU y en cualquier otra parte del mundo, pues el riesgo de que la sobriedad sea malinterpreta es altamente probable. La película de la debutante Nicol Kassell sigue esta arriesgada senda, que ya fue tomada en su día por cintas como De nens o Capturing the Friedmans. La película retrata de manera sobrecogedora los fantasmas interiores de un pederasta que ha cumplido condena, magistralmente interpretado por Kevin Bacon, y reflexiona sobre la reinserción, el (auto)rechazo y la reincidencia. Aunque el desenlace del film destruye parte de su alegato compasivo, pues la redención es alcanzada mediante la agresión a otro pederasta, ello no es más que una prueba de la complejidad del asunto y del desprecio que el protagonista siente por sí mismo.

CRÍTICA, PERO EPIDÉRMICA: OBJECIONES SOBRE PERSÉPOLIS

2007-12-08T01:47:00.000-08:00

Persépolis, en tanto que elude cualquier explicación acerca del apoyo masivo que la población iraní brindó a la revolución islamista de Jomeini (la única del siglo XX que según el historiador Eric Hobsbawm no tuvo sus raíces en la ilustración europea), peca de tendenciosa e incompleta. Los rigores que padeció la directora del film (además de autora del cómic homónimo en que está inspirado) hacen comprensible y justificable esta postura, que sin embargo no es suficiente para calibrar la naturaleza y el robustecimiento de una actitud socio-política (la del régimen de los ayatolás) en permanente confrontación con el supuesto progreso del mundo occidental. Este posicionamiento netamente occidentalizado y maniqueo no brinda en absoluto la posibilidad de un análisis concienzudo, crítico y autocrítico, ni arroja luz sobre una situación (la ausencia de libertades civiles en Iran) de sobras conocida por todos. Dicho esto, he de decir que los momentos de mayor ironía y lucidez de la película corresponden a las reflexiones que la joven protagonista vierte acerca de las relaciones afectivas, el sexo y la adolescencia, algo que por su universalidad traspasa cualquier frontera geográfica y que se escapa del superficial cariz político por el que es identificado este filme.

Los relatos eternos en Spiderman, de Sam Raimi.

2007-12-06T12:14:00.000-08:00

Tal y cómo afirma el catedrático en Comunicación Audiovisual Román Gubern, “las protofantasías perduran a lo largo de los siglos bajo diferentes ropajes, que las acomodan a su tiempo”. Así, ni el cómic, ni el cine han podido desvincularse de los relatos tradicionales.
Basándonos en esta premisa, el primer elemento simbólico, el más evidente y primario que contiene el personaje de Spiderman, es el de la antropomorfización del mundo animal, costumbre a través de la cual muchos de los ritos y creencias de las sociedades más primitivas proyectaban cualidades animales en el hombre y a la inversa: Spiderman aúna en su forma características humanas y arácnidas.
Tampoco es descabellado convenir que Spiderman, entre otras cosas, adapta a nuestro actual contexto los antiguos relatos heroicos de las tradiciones mitológicas y folklóricas. Nuestro superhéroe, como los héroes greco-romanos de antaño, no sólo posee habilidades sobrehumanas, sino que además ciertos rasgos idealizados de su personalidad (altruismo, sacrificio y entrega) le conducirán a utilizar estas habilidades en beneficio de la humanidad, protagonizando de paso hazañas extraordinarias por las que se hace famoso. La acomodación a la que Gubern hace referencia la hallamos en el hecho de que Spiderman es un personaje adaptado a nuestra realidad, es decir, su alter ego, Peter Parker, es un muchacho con los problemas y las inquietudes de cualquier veinteañero de nuestros días, y con este propósito, el de conectar con los jóvenes lectores de la década de los 60, el personaje fue diseñado y pensado por sus creadores, el guionista Stan Lee y el ilustrador Jack Kirby. Muchos otros son los elementos argumentales que permanecen, y el hecho de que P. Parker sea huérfano no es gratuito ni casual: destacados héroes de las tradiciones de la edad antigua eran hijos adoptados, Rómulo y Remo y Moisés sin ir más lejos.
Pese a sus heroicidades, vemos que Spiderman despierta ciertas reticencias entre parte de la población de Nueva York. Este recelo servirá de caldo de cultivo a la campaña de desprestigio que emprende el periódico Daily Bugle contra el hombre-araña; sin duda, el miedo que el superhéroe inicialmente despierta viene dado por el aspecto misterioso que le confiere su disfraz y por las connotaciones siniestras que para el subconsciente colectivo acompañan al insecto que le representa: la araña, un artrópodo desagradable y venenoso.
El disfraz azul y rojo de Spiderman está complementado por líneas negras entrecruzadas en espiral, en clara alusión a la telaraña y a la sensación de dinamismo que expresa una figura como la espiral (no olvidemos que Spiderman es un superhéroe extraordinariamente ágil y flexible, un saltimbanqui de los rascacielos). El diseño de su capucha, por su parte, procede de las máscaras que los luchadores mexicanos de wrestling utilizaban y utilizan en el ring, un complemento vistoso que les confiere un halo de misterio muy atractivo para el público. Disfraz y la máscara son 2 elementos que de nuevo encuentran su significado en el uso común que tradicionalmente se les ha dado en muy diversas culturas, tanto actuales como del pasado. Ambos han sido siempre relacionados con la ocultación y el fingimiento, funciones que hallan su máxima expresión en algunos rituales tribales de carácter religioso, en la festividad de Carnaval, y en las representaciones teatrales del teatro chino y de la comedia de arte.
Respondiendo a otro tipo de relato eterno, el del personaje dual, hemos de señalar la evidencia de que Peter Parker, mediante el uso de la máscara y el disfraz, desdobla su personalidad en 2 caracteres bien distintos. Por un lado, Peter Parker es un joven de apariencia débil, carácter tímido y con escaso o nulo magnetismo. Su alter ego, en cambio, es un héroe decidido, valiente y seguro de sí mismo; hace un uso ostensible (casi exhibicionista) de sus habilidades. Los poderes sobrehumanos que posee son el centro de atención de todo el mundo, bien por admiración, bien por el temor que provocan. Cuando P. Parker se enfunda su traje, su carácter cambia por completo, y así su timidez se desvanece, transformándose en osadía, ingenio e incluso gracia y desparpajo verbal. Pese a estas remarcables diferencias, la esencia moral de los dos caracteres no experimenta grandes cambios, pues Parker es de una bondad pasiva y acomplejada, y Spiderman es un activo benefactor. Si en alguien se ve perfectamente reflejada la dualidad moral es en el antagonista de la historia: El Duende. N. Osborn es un empresario de éxito, influyente y adinerado, que pasa por ser una persona altruista, preocupada por el progreso y el bienestar de los ciudadanos. Sin embargo, cuando se enfunda el traje de El Duende y hace un uso malévolo de sus poderes, se convierte en un ser moralmente mezquino, un individuo despreciable que ambiciona el poder, y que no tiene el más mínimo remilgo en utilizar la violencia con tal de detentarlo. La doble naturaleza de las cosas ha sido ampliamente tratada en numerosos relatos y religiones, desde el taoísmo (el ying y el yang), hasta la novela de Robert Louis Stevenson El extraño caso del Doctor Jeckyll y Mr. Hyde. Todo este tipo de relatos y creencias sobre la dualidad hacen referencia a la constante pugna que en la naturaleza existe entre 2 fuerzas opuestas.

Exorcista juzgado

2007-12-05T10:17:00.000-08:00

Para no inducir a equívocos desagradables al espectador, conviene advertir que El exorcismo de Emily Rose, a pesar de lo que su título, su temática y la tipografía de las letras de su cartel puedan dar a entender, nada tiene que ver con la imperecedera película de William Friedkin, El exorcista. Basada en hechos verídicos, nos encontramos ante una película de acción judicial que narra la historia de Emily Rose, una joven epiléptica y de tendencias psicóticas que murió mientras se le practicaba un exorcismo. El padre Moore, el sacerdote que practicó la ceremonia, deberá dar cuentas ante la justicia acusado de actitud negligente, por lo que el juicio será el eje narrativo de la historia, y los testimonios que en él se den, mostrados a través de flashbacks subjetivos, matizarán los hechos paulatinamente. Los sustos, la atmósfera inquietante, el maquillaje y los efectos visuales quedarán relegados a alguno de estos flashbacks, y dotarán de una estimable cadencia terrorífica al debate filosófico sobre los límites de la Fe que se desarrolla a lo largo del film: La defensora del padre Moore, interpretada por Laura Linney, es agnóstica, pero en su mano está convencer al jurado de que existe el demonio, y de que éste es capaz de manifestarse. En el intento, su inquebrantable escepticismo religioso comenzará a resquebrajarse. Por un lado tenemos enjundia en el debate y drama judicial, por el otro el aderezo de gotas de terror y suspense. La virtud de la película radica, pues, en esta equilibrada mezcla de estos elementos aparentemente tan dispares. De esta manera, El exorcismo de Emily Rose funciona como un filme de terror en algunos pasajes, y como un largometraje de juicios sobre los límites de la fe en otros.

Finalmente, la película acabará tomando partido por aquellos que "creen", cosa harto peligrosa si tenemos en cuenta el avance que actualmente están experimentando en EEUU el puritanismo, el creacionismo y la derecha religiosa intransigente.

APUNTES SOBRE BRESSON

2007-12-04T08:45:00.000-08:00

Robert Bresson (1907-1999) es un cineasta poco o nada conocido por el gran público que, sin embargo, debido a su estilo único y personal, así como a una convencida y tajante radicalidad artística, fue una influencia innegable para la Nouvelle vague, motivo por el cual es considerado un maestro en los círculos cinematográficos más exquisitos. Según Bresson, que consideraba el cine un arte autónomo, una nueva forma de escritura a partir de imágenes y sonidos, las películas que la gran mayoría de los espectadores consumen son teatro filmado, modelo tradicional, imperante y equivocado, frente al que contrapuso su propia idea de hacer cine, a la que bautizó con el nombre de “cinematógrafo”. Sin ninguna concesión comercial, este estilo, seco y sin ornamentos, se fundamentaba en tres pilares principales:
1) Una planificación y un montaje que eludían los rostros, los planos generales y los planos medios; optando por los planos de objetos y de miembros (piernas y manos), así como por los planos al detalle y el fuera de campo; tratando así de que el espectador aprehendiera el conjunto mediante piezas fragmentadas del mismo.
2) Unas interpretaciónes (a la que llamaba “no interpretación”) inexpresivas, ejecutadas por actores no profesionales, que buscaban la contención emotiva.
3) Unas temáticas humanas y transcendentales tras las cuales, como ocurre en el cine de Dreyer y Ozu, se intuye la presencia de cierta religiosidad algo indefinida.

Éstas y otras premisas están compiladas y argumentadas por el propio director en el libro “Notas sobre el cinematógrafo" (Ediciones Árdora).

De New York a BCN

2007-12-03T09:18:00.000-08:00

Oriundo de Nueva York, de familia judía y acomodada, persona de aspecto inconfundible gracias a sus gafas de pasta, humorista y guionista antes que cineasta, amante de la música Jazz y clarinetista ocasional, antihéroe hipocondríaco y adicto al psicoanalista... Estos y otros muchos datos sobre la vida de Woody Allen, cuyo verdadero nombre es Allan Stewart Königsberg, resultan sobradamente conocidos por la inmensa mayoría de los mortales, sean o no seguidores de la extensa filmografía de tan insigne y prolífico director. Su enorme popularidad ha traspasado lo estrictamente cinematográfico, convirtiéndolo en un personaje público de primer orden cuya vida privada, en ocasiones y muy a pesar suyo, ha tenido una mayor trascendencia mediática que sus propias películas, el ejemplo más claro de esta afirmación lo encontramos en el gran escándalo que suscitó en la prensa internacional la relación sentimental que el cineasta emprendió con su hijastra poco tiempo después de separarse de la actriz Mia Farrow.

Más apreciado en Europa que en su país natal, Allen es de los pocos realizadores que tienen un control casi absoluto sobre sus películas, ocurrentes y reflexivas comedias, algunas de ellas con tintes dramáticos, que dirige, guioniza y habitualmente protagoniza, aunque esta última faceta parece ser que ha sido aparcada definitivamente por el propio director, quien después de su inevitable ingreso en el club de los heptagenarios no se considera válido para dar vida a sus personajes. En 1977, tras una serie de burlonas películas, más frívolas e intranscendentes que sus obras más importantes, Allen alcanzó su máxima cota artística y profesional con los 4 Oscars conseguidos por Annie Hall (película, guión y director incluidos), óptimo nivel cualitativo que mantuvo durante un par años más gracias a Manhattan e Interiores, ambas nominadas al Oscar al mejor guión original en el 78 y 79 respectivamente. En 1986 volvió a conseguir el Oscar al mejor guión original por Hannah y sus hermanas, premio por el que volvió a ser nominado en el 2005 por Match Point. Desde el 82 el neoyorquino es capaz de mantener con dignidad, gracia y relativa frescura el prodigioso ritmo realizador de una película por año. Genial para unos, copiador y cargante para otros, su cine es una personal y divertida mezcla plagada de referencias autobiográficas que aúna la mitomanía, el intimismo trascendente de Bergman, el costumbrismo extravagante de Fellini y la verborreica y gestual comicidad de los Marx. Su última película, Vicki Cristina Barcelona, ha sido rodada en Barcelona, Oviedo y Avilés, algo que ha generado un interés y unas expectativas desbordadas e inusitadas entre nuestros ciudadanos y convecinos, expectativas que a buen seguro se verán colmadas si Allen hace lo que mejor sabe: Cine del bueno.

SOBRE MITOS Y LEYENDAS

2007-12-03T03:18:00.000-08:00

Como en Un condenado a muerte se ha escapado, el desenlace de la trama principal de la película del neozelandés Andrew Dominik nos es revelado en su título. Sujeto y objeto de la acción son conocidos de antemano por el espectador en una clara voluntad de eludir el suspense argumental. La comparación con Robert Bresson no se ciñe únicamente a las similitudes intencionales que estas 2 películas guardan en la construcción de su título, y es que, aunque el ensimismamiento en los planos detalle no es ni por asomo igual que el de las obras de Bresson, la observación de los interludios y de los tiempos muertos en el primer segmento de El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford es tan o más de importante que en los films del cineasta francés. Este inicial intimismo (observación bressoniana, más bien) viene acompañado de una fotografía muy poco convencional en el Western, una opción visual que elude el cansino paisajismo característico de este género para apostar por el claroscurismo, el expresionismo y por cierta experimentación derivada de los contornos desenfocados de algunos planos, algo que refuerza el tono crepuscular y melancólico de la película.

Paradógicamente, El asesinato de Jesse James desmitifica la figura del sanguinario asaltador de bancos dándonos la justa medida, desde una perspectiva plenamente antropológica, de lo que es un Mito. Con minuciosidad, ídolo (Jesse James) e idólatra (Bob Ford) nos son presentados como si de dos caras de una misma moneda se trataran, aunque estos 2 modelos no son inamovibles: James, cansado de su vida de forajido y consciente de su vileza, es un ser despiadado que en nada se parece a un Robin Hood del salvaje Oeste; y Ford, lejos de rendir pleitesía y lealtad a James, se rebela contra el mito que le ha decepcionado, en busca quizá de la gloria que éste se labró después de 14 años de homicidas latrocinios. Lo que no sabía Ford (Robert, no John) es que lo que más adulan las masas es la imagen del mal impune, y que la construcción de un mito ni se maquina, ni se logra buscadamente, más bien se esculpe poco a poco, azarosa y desinteresadamente. Por eso Jesse James, pese a sus tropelías, siempre será un mito, y el cobarde Robert Ford, nunca dejara de ser un miserable. Amén.

HOME, SWEET HOME

2007-12-03T03:12:00.000-08:00

El ansia por llegar a casa movió sus piernas con energía después de 8 largas e ininterrumpidas horas de rutinario trabajo. Tras calentarse el potaje en el fogón, sació su hambre y se acomodó en el sofá, frente al televisor. Erguido, con la cabeza apoyada sobre dos cojines, miraba con desinterés las imágenes que se reproducían en la pantalla plana de la caja catódica. Mientras sus párpados caían lenta y agradablemente, pensó que aquella buscada modorra era posiblemente el mejor momento del día, y que quizá la tele era el mejor narcótico del mundo... Shhhhhhhh....ZZZZZZZZZ.